EL RANKING

(English version)

100

“Rockit” – Herbie Hancock

Del álbum “Future Shock”, 1983

Melodía: 8; Instrumentalización: 9; Letra: 0; Estructura: 2; Significado histórico: 9; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 43,76.

La canción Nº100 de la historia del rock quizás ni siquiera pueda ser considerada rock en sí misma, pues es una pieza robótica, interpretada en su mayoría por instrumentos sintéticos, compuesta por un jazzista de renombre y que resultó ser un favorito del breakdance. No se parece en nada a lo que define al rock.

Pero justamente ahí es donde reside su valor y es lo que la hace ser parte de este panteón: a través de sus sonidos desarticulados, esta canción desarrolla al máximo el cariz experimental del género. El teclado ochentero y uno de los primeros usos del “scratching” como instrumento musical son elementos que erigen a “Rockit” –una pieza que por no tener letra está limitada en este listado- como una marca histórica que revela de qué manera puede el rock evolucionar hacia zonas impensadas.

99

“Search and Destroy” – Iggy & The Stooges

Del álbum “Raw Power”, 1973

Melodía: 7; Instrumentalización: 5; Letra: 8; Estructura: 1; Significado histórico: 9; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 43,87.

El título del álbum en el cual «Search and Destroy» es el primer número refleja de manera perfecta el espíritu de esta canción: es poder crudo en todo su esplendor. En sus tres minutos y medio, esta canción es un adrenérgico ataque sónico llevado a cabo por la guitarra aguda apoyada en un bajo sucio, de sonido lo-fi y una batería con sonido de tarro, todo lo cual hace de ella un elemento esencial del proto-punk que transmite la inmensidad de la furia y la divergencia de una escena emergente que ayudó a definir cómo sería el rock en los años por venir.

98

“Go Your Own Way” – Fleetwood Mac

Del album “Rumours”, 1977

Melodía: 8; Instrumentalización: 7; Letra: 7; Estructura: 2; Significado histórico: 7; Cover: No; Riff: No. Puntaje: 44,01.

Desde el momento en que aparece el sonido de esa guitarra acústica en donde resuenan magistralmente las cuerdas metálicas “Go Your Own Way” se erige, quizás, como la mejor declaración de haberse recuperado tras una ruptura. Muy probablemente sea porque su inspiración, se nota, proviene de un evento real, pues posee una fuerza que es imposible de simular.

Dramática y de excelente ritmo, posee una estructura que plantea su propio vigor narrativo balanceando, con la experticia de un juglar, los versos –tristes y nostálgicos– y el coro –enrabiado y resolutivo–. De esta manera demuestra la destreza y la valía de Lindsey Buckingham como compositor y el lugar de Fleetwood Mac en la historia de la música.

97

“Sultans of Swing” – Dire Straits

Del álbum “Dire Straits”, 1978

Melodía: 8; Instrumentalización: 7; Letra: 5; Estructura: 2; Significado histórico: 8; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 44,02.

El bajo acompasado y delicioso de esta canción construye una atmósfera intrigante e introspectiva que hace pensar en un viaje sin destino por un desierto de noche. Siendo una canción acerca de una banda que se apega a lo simple del rock de guitarras en un bar donde el jazz de trompetas es lo usual, viene a ser la declaración ideal –tanto lírica como músicalmente– de lo que es el rock tradicional puro: una base rítmica sólida sobre la cual las guitarras edifican melodías retumbantes que seducen al oído.

En ese sentido, Dire Straits tomó los elementos del género y los aplicó con maestría en esta canción. La guitarra recorre la partitura con fluidez alrededor del bajo y, a ratos, da un paso al frente y se transforma en protagonista, como queda plasmado después del quinto minuto, en que viene lo mejor del tema: el punteo limpio y preciso de Knopfler como adorno perfecto a la línea de bajo de Illsley en uno de los solos más electrizantes y que por sí mismo se adjudica un punto extra en la escala de instrumentalización.

Esta canción es un testimonio de cómo la simpleza del rock puede generar hermosas complejidades.

96

“Ever Fallen in Love (With Someone You Shouldn’t’ve)” – Buzzcocks

Del álbum “Love Bites”, 1979

Melodía: 9; Instrumentalización: 6; Letra: 6; Estructura: 2; Significado histórico: 6; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 44,03.

Cuando se piensa en rock punk, se piensa en acordes recluídos, en ritmos acelerados y unidireccionales y en opacidad técnica. Pero los Buzzcocks, si bien nacieron de la escena del rock inglés simplificado de fines de los 70, florecieron con colores armónicos y una actitud inusitadamente creativa que se cristaliza en esta canción, energizante hasta decir “basta”.

Desde su intenso comienzo y a través de los punteos que flanquean al enriquecido vibrato de Pete Shelley esta canción es simplemente sensacional. En especial lo es su contundente riff, que sale de lo habitual y que le entrega calma a lo urgente, impaciente e hiperkinético de la inmanejable carga de notas. Esto porque su letra apunta a la desesperación de enamorarse de la persona equivocada; una experiencia con la cual, después de todo, muchos nos hemos encontrado.

En suma esta canción demostró que el punk puede ser melódico y es por esta razón que está en este puesto.

95

“I’m Not in Love” – 10cc

Del álbum “The Original Soundtrack”, 1975

Melodía: 8; Instrumentalización: 10; Letra: 8; Estructura: 2; Significado histórico: 4; Cover: No; Riff: No. Puntaje: 44,49.

Una de las baladas más dulces que existen, suave y melódica destaca por su detallada producción, que hace un uso perfecto de un fondo coral que no hace sino embellecer su naturaleza etérea. El canto terso del protagonista, con una voz que se transforma en hechizo, declara repetidas veces a una interlocutora no estar enamorado cuando, realmente, sólo está negando algo que es evidente: que efectivamente está perdidamente prendado de ella.

“Conservo tu foto en la pared
Oculta una fea mancha que hay ahí
Así que no me pidas que te la devuelva
Sé que sabes que no significa tanto para mí
No estoy enamorado. No, no.”

Siendo una joya de los efectos acústicos, posee capas y capas de sonido, mas no se notan. Por el contrario, la canción en sí se escucha fluida, envolvente y seductora, como un todo. Un todo que transmite una saudade muy difícil de describir.

94

“Clones (We’re All)” – Alice Cooper

Del album “Flush the Fashion”, 1980

Melodía: 9; Instrumentalización: 7; Letra: 7; Estructura: 1; Significado histórico: 5; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 44,24.

Si bien muchos recuerdan a Alice Cooper más como el emperador de la oscuridad en una época en que todos cantaban acerca de la paz y el amor, es esta joya del pop la que le valió figurar en esta centena selecta. Su melodía robótica y bailable con una guitarra cortante y cíclica, con el timing de un corazón artificial es algo tan infrecuente en su discografía que son pocos sus discos compilatorios que incluyen esta canción. Pero con esa voz de robot hipnotizado es, en el fondo, un arma más en el arsenal del inconformiso.

De hecho, los versos “Destruímos al gobierno / Estamos destruyendo el tiempo / No hay más problemas en el camino” ejemplifican esa letra críptica que reivindica a la rebeldía y al anarquismo.

Compuesta en una época en que los clones eran sólo tema de la ciencia ficción (y de la mala, más encima), esta canción puede ser considerada un portal visionario en la carrera de una figura emblemática del rock.

93

“Won’t Get Fooled Again” – The Who

Del album “Who’s Next”, 1971

Melodía: 6; Instrumentalización: 7; Letra: 8; Estructura: 2; Significado histórico: 8; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 44,25.

Combinando poderosos acordes de guitarra con sonidos de sintetizador y órgano fuertemente procesados, la apertura texturada y explosiva de esta canción inmediatamente anuncia algo grande. De ahí en adelante, con su melodía algo desordenada pero pegajosa se transforma en una vigorosa declaración de toma de conciencia ciudadana. Ello le da un sabor distinto. Trasciende al rock y se convierte en bandera de lucha, adaptable a muchas causas. Es una canción versátil, de muchos niveles de sonido, guiada por la guitarra reverberante de Townsend, que clama por el descontento popular de sentirse engañado por las autoridades y que, en consecuencia, reconoce la persistencia cíclica de las revoluciones como vía de reconstrucción de la sociedad.

Con todo su valor histórico, el grito insurrecto de Daltrey y su expansivo mensaje político, no es de extrañarse que figure en listas de reconocimiento musical de la estación Q107 de Canadá, las revistas Blender, Rolling Stone y Q, y el canal VH1. No es tampoco de extrañarse que en esta lista represente el lado combativo de una era pretérita del rock, pero cuyo legado aún es vigente.

92

“My My, Hey Hey (Out of Blue)” – Neil Young & Crazy Horse

Del album “Rust Never Sleeps”,1979

Melodía: 7; Instrumentalización: 7; Letra: 7; Estructura: 2; Significado histórico: 8; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 44,33.

“Es mejor apagarse de inmediato que desaparecer lentamente” reza una de las líneas más citadas de la historia del rock, y que se halla contenida en esta canción, responsable para muchos de revitalizar la carrera de Neil Young a fines de los 70. Quizás es cierto que Young estaba buscando nuevos bríos para enfrentar una época venidera que le era absolutamente ajena, porque esta canción se aprecia cansina, con la banda casi agotada, pero de alguna forma transmite la sensación de que existen energías escondidas en ella, cuajándose y esperando el momento para resurgir.

No es raro, entonces, que sea el inicio de un álbum extremadamente bien recibido por la crítica y que haya sido reinventada como cierre del mismo, pero en una versión estridente que parece vaticinar el uso que se le daría a las guitarras diez años después.

Deliciosamente bucólica, la musicalización inicialmente suave de esta cantata sintoniza con su letra, que lidia con la fugacidad de la vida. Insinúa que bajo la superficie de cada uno de nosotros yace una realidad más compleja de la que podemos comprender, principio que se vuelve concreto en la desolada armónica que cierra la tonada.

¿Qué mejor demostración de la ciclidad de la vida que una canción que se sacude el óxido y se transforma a sí misma?

91

“21st Century Schizoid Man” – King Crimson

Del álbum “In the Court of the Crimson King”, 1969

Melodía: 7; Instrumentalización: 8; Letra: 7; Estructura: 2; Significado histórico: 6; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 44,34.

Éste, el mejor ejemplo de rock intelectual, es una complejísima pieza de rock progresivo aparentemente incoherente, pero en realidad intencionada y cerebral, que atestigua el poder artístico de un subgénero de mucha notoriedad entre 1965 y 1975. Siendo tal vez la canción más conocida de King Crimson, su ritmo suelto y atrevido, las estridencias, las disonancias y las cacofonías, así como su letra de asociación libre que crea imágenes y figuras literarias surrealistas, sugieren el caos y la liberación de todo tipo de ataduras. Eso es especialmente cierto para la intrincada sección intermedia de jazz-rock acelerado que revela la tensión interior y la desorganización de la mente del hombre del siglo 21.

La voz torturada, intensamente distorsionada, de Greg Lake nos arrastra a una visión distópica de una sociedad inundada por la desconfianza y los horrores psiquiátricos. Pero es más que eso. En la estrofa

“Estante de sangre, alambre de púas
Pira funeraria del político
Inocentes violados con fuego de napalm
Hombre esquizoide del siglo veintiuno”

se aprecia la ubicuidad sociohistórica de la canción. Esta letra y el hecho de que Robert Fripp se la haya dedicado a Spiro Agnew revela su propósito lírico final: Vietnam.

Demuestra cómo interpretaba el rock progresivo los eventos actuales de la época, al mismo tiempo que exhibe con grandiosidad de justas proporciones lo lejos que puede llegar la habilidad técnica y el tipo de joyas que puede crear el virtuosismo bien empleado. Como dice la All Music Guide, es uno de los mejores momentos individuales del rock progresivo.

90

“Stockholm Syndrome” – Yo La Tengo

Del album “I Can Hear the Heart Beating as One”, 1997

Melodía: 10; Instrumentalización: 7; Letra: 8; Estructura: 1; Significado histórico: 5; Cover: No; Riff: No. Puntaje: 44,39.

Ésta es una canción especial; uno lo sabe ya al escucharla por primera vez. Dulcemente lánguida, te hace cerrar los ojos y llevar los puños al pecho, pues transmite algo muy íntimo, indescriptible, a través de su insuperable melodía angelical. Quizás sea por eso que, cuando la escuchas, sientes que te está hablando a ti.

La percusión de tubos de madera y la guitarra acústica bien llevada hacen que se note que cada verso está exactamente donde debe estar. Mas a pesar de que posee un ritmo fácil de llevar, no todo es apacible en esta canción. Su inocencia es interrumpida por un retorcido solo de guitarra que de alguna forma encaja perfectamente con el cariz candoroso del resto de la canción.

No temo afirmar que, aunque desapercibida para muchos, ésta es una de las canciones más hermosas alguna vez escritas.

89

“Because the Night” – Patti Smith Group

Del álbum “Easter”, 1975

Melodía: 8; Instrumentalización: 7; Letra: 6; Estructura: 1; Significado histórico: 8; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 44,49.

Ésta es la canción que imprimió el plano de las power ballads. El suave piano que introduce la melodía ya hace entrever que se trata de una tonada romántica. Pero está lejos de ser cursi, como muchos otros ejemplares de esa categoría. Por el contrario, toca con sutil dramatismo el arquetipo de los amantes físicamente separados pero reunidos simbólicamente por la noche, por ejemplo observando al mismo tiempo la luna. Pero más allá del cliché, declarar que la noche está reservada para quienes se aman es lo que le da a esta canción su cualidad de himno. Su estructura es fulminante: Patti Smith canta cada estrofa de manera tersa, irrumpe luego un piano espeso antes del coro, el canto se repliega de nuevo para la siguiente estrofa y explota por completo en el puente. Es por dicha fórmula que esta canción, compuesta por Bruce Springsteen, le enseña a las generaciones posteriores cómo debe ser una balada para trasmitir todo el poder de un sentimiento universal y ser recordada en el futuro.

88

“The Trammps” – Disco Inferno

Del álbum “Disco Inferno”, 1976

Melodía: 8; Instrumentalización: 6; Letra: 7; Estructura: 1; Significado histórico: 8; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 44,50.

Éste es el portavoz más prototípico, llamativo y cautivante de la fiebre de la música disco, desde su título, que nomina al género y que otorga una sugerencia visual innegablemente seductora con todo lo que la bóveda de las llamas eternas sugiere. Su groove hipnótico con un bajo estable construye un ritmo que invita a un movimiento atávico. De hecho su legado se puede apreciar en muchas canciones que trascendieron al género disco, como “Can You Feel It” de The Jacksons o “Babe We’re, Gonna Love Tonight” de Lime.

La voz raspada de Harris que araña las notas altas transmiten una urgencia que suena especialmente absorbente cuando los coros repiten la famosa frase “Arde, nena, arde”. Mientras tanto, los violines inquietos, pero ordenados, forman la atmósfera perfecta para una canción que captura la escencia de la escena disco en su peak.

Con todo ello, la canción simula un gentío cantando a todo pulmón al son de un ritmo centellante guiado por una voz incendiaria. El uso de la guitarra rítmica, procesada por el pedal wah-wah, agrega la crema a un postre bailable imperdible.

Toda persona debe bailar al ritmo de esta canción –y corearla– al menos una vez en su vida.

87

“Judy is a Punk” – Ramones

Del álbum “Ramones”, 1976

Melodía: 8; Instrumentalización: 8; Letra: 6; Estructura: 1; Significado histórico: 7; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 44,50.

Corta, intensa, directa a la vena. Así es esta canción. Comienza sin rodeos y genera un colapso.

En su brevedad describe una de esas anecdóticas aventuras que las parejas de amigas buscan cuando salen de noche. Eso de por sí la hace entretenida. Pero, además, hace un juego lógico interesante porque se refiere a sí misma dándoles instrucciones a quien la escucha acerca de cómo es la estrofa que viene a continuación. Finalmente con los aplausos que acompañan a la batería entremedio, se hace ideal para esos juegos del tipo “¿Quién se la sabe?”.

Pero lo que la hace memorable es sin duda su condensada instrumentalización que resume todas las virtudes de la música punk en general y de los Ramones en particular: la armonía vocal con notas que duran entre uno y dos segundos; la guitarra rápida, segura, aguda; el bajo saturado e incansable… son todos elementos que hicieron a esta canción una de las favoritas en los conciertos de estos históricos neoyorkinos.

Es la canción que definió desde un comienzo cómo sonaría la música punk en las dos décadas siguientes.

86

“White Rabbit” – Jefferson Airplaine

Del álbum “Surrealistic Pillow”, 1967

Melodía: 6; Instrumentalización: 7; Letra: 8; Estructura: 2; Significado histórico: 8; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 44,62.

Los redobles de bolero de esta obra cumbre del rock psicodélico imbuyen una atmósfera elegante para esta canción en que Grace Slick luce esplendorosamente su fuerte voz de contralto. Mientras parafrasea la historia de “Alicia en el País de las Maravillas” haciendo lo que parece ser una invitación a experimentar con distintos tipos de psicotrópicos, la intensidad de la estructura rítmica crea el efecto perceptivo de estar al borde de la locura.

Una canción que es capaz de hacernos tener un viaje alucinante en menos de tres minutos y que inspiró el título de un libro acerca de las vivencias que una adolescente tiene en su experimentación con las drogas, sin duda que se ha ganado un lugar dentro de este listado. Y podría estar ubicada más alta, de no ser por las referencias incorrectas que tiene en la letra.

Aun así, “White Rabbit” es una refinada puerta de entrada al mundo del rock de fines de los 60.

85

“Don’t Stop Believin’” – Journey

Del álbum “Escape”, 1981

Melodía: 8; Instrumentalización: 7; Letra: 7; Estructura: 2; Significado histórico: 8; Cover: No; Riff: No. Puntaje: 44,65.

El riff de apertura de esta canción, una melodía en la octava grave del piano, y luego la repetición apremiante de la guitarra eléctrica –como una bola de cristal cayendo por un embudo– que anteceden la primera aparición de la batería, anuncian que lo que viene a continuación es una canción inolvidable.

Y lo es.

De hecho, es la canción más descargada de iTunes que no ha sido compuesta en el siglo 21. Y no es de extrañarse. Si bien abraza muchas de las convenciones del rock y las catapulta a la grandiosidad, al mismo tiempo tiene una estructura muy inusual, pues la introducción dura casi una tercera parte de la canción y el coro no se escuha sino hasta el final.

Quizás sea por ese aventurado experimentalismo que pasa desapercibido, o por lo cohesionado que suena Journey en este soberbio single, que «Don’t Stop Believin'» es tan ovacionada por el público. Y ese appeal que tiene para las masas lo que la hace una justa ocupante del puesto nº85 de este ranking.

84

“Hey Boy, Hey Girl” – The Chemical Brothers

Del álbum “Surrender”, 1999

Melodía: 10; Instrumentalización: 9; Letra: 2; Estructura: 2; Significado histórico: 8; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 44,71.

En inglés existe un concepto denominado “floor filler” que significa, literalmente, “que llena la pista de baile”. “Hey Boy, Hey Girl” es la floor filler perfecta. Como canción intencionada para ser bailada, porta el elixir puro del movimiento. Incendia la pista de baile con hordas de personas gritando y alzando los brazos, y hasta el más tieso comienza a agitarse, casi involuntariamente, al son de su ritmo pegajoso y orgánico.

Lo más hipnótico de esta canción es la marca registrada de los Chemical Brothers: el efecto de acumular la tensión poco a poco a través de un ritmo acompañado de un todo que se va cargando de estridencia hasta que llega a una pausa de percusión y se libera luego en una explosión de ritmo. Es por ésta y muchas otras razones que estos ingleses siempre fueron maestros en el uso de las perillas. Y acá, con esta melodía irresistible, lo demostraron con creces.

83

“Where is my Mind?” – Pixies

Del álbum “Surfer Rosa”, 1988

Melodía: 7; Instrumentalización: 9; Letra: 7; Estructura: 1; Significado histórico: 8; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 44,71.

Muchas baladas son dulces y suaves. Ésta no.

Es oscura y pesarosa, y si bien está liderada por una batería que tiene la creatividad de un rebaño, está cargada de sentimiento, un sentimiento que proviene menos del corazón que de lo profundo del cerebro como parece confesarlo su letra críptica, que Black Francis escribió inspirándose tras bucear en el Caribe:

“Tu cabeza colapsará
Cuando no haya nada en ella
Y te preguntarás a ti mismo
« ¿Dónde está mi mente? »
Muy afuera, en el agua
Obsérvala nadando.”

Lo sugerente, pero aun así impenetrable de esta letra, se combina con la cadencia de la guitarra acústica y el aullido que se vuelve lamento para conformar una canción que se las arregla para hacer de lo oscuro algo brillante. De hecho, llega un punto en que la guitarra noise se vuelve acogedora. En el juego con la guitarra acústica, que se acerca a ratos y, de repente, se corta y deja sólo a la estridencia que se acumula hasta construir la siguiente estrofa, nace una canción extraordinaria que le debe casi todo a su instrumentalización.

Los Pixies eran maestros.

82

“Wonderful Tonight” – Eric Clapton

Del álbum “Slowhand”, 1977

Melodía: 8; Instrumentalización: 7; Letra: 8; Estructura: 1; Significado histórico: 6; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 44,71.

Una de las canciones de amor mejor construidas de la historia, sin cursilerías, sin promesas vanas, es una balada de un hombre hacia su esposa, a quien ama después de años de matrimonio. Antes de salir rumbo a una fiesta, contemplándola, se da cuenta de cuánto la adora y lo feliz que es de ser su compañero en la vida.

“Se pone su maquillaje
y cepilla su cabello largo y rubio
Y luego me pregunta «¿Me veo bien?»
Y yo digo «Sí, te ves maravillosa esta noche» (…)

Y lo más maravilloso de todo
Es que no te das cuenta
De cuánto te amo.”

Con el magnífico punteo de Eric Clapton, responsable de muchos momentos cúlmines del rock, esta canción refleja en letra y música por igual (aunque se cae en una rima) cómo toda persona desea sentirse 20 años en el futuro desde el momento en que se enamora de otra.

81

“Back in Black” – AC/DC

Del álbum “Back in Black”, 1980

Melodía: 9; Instrumentalización: 6; Letra: 5; Estructura: 2; Significado histórico: 8; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 44,74.

Ocho compases de batería son la antesala de uno de los riffs más indelebles de la historia. Con él AC/DC demostró, en los albores del heavy metal, que para sonar pesado no era necesaria la velocidad, sino que un ataque lento y calculado basta y sobra.

Como si de una lección técnica se tratara, mientras que la guitarra de Malcolm Young construye el ritmo asfaltoso, su hermano Angus genera punteos breves pero poderosos. Apoyada en esta estructura innegablemente magnética, la voz de Brian Johnson suena fresca y ensordecedora, especialmente en el puente que duplica la velocidad del ritmo.

En estricto rigor, es el álbum completo que esta banda australiana editó en 1980 el que merece representar lo mejor del heavy metal de la década que se extinguía. Pero la que más destaca de entre todas las canciones es ésta, una proclamación de poder y vigencia que se vuelve especialmente significativa a la luz del hecho de que el vocalista original del grupo murió un año antes y que, por ende, este álbum fue el regreso de AC/DC en un período de luto.

Por su significado histórico, “Back in Black” es totalmente merecedora de formar parte de este ranking. Su ritmo la ubica en el 81º puesto de él.

80

“Every Breath You Take” – The Police

Del álbum “Synchronicity”, 1983

Melodía: 9; Instrumentalización: 7; Letra: 6; Estructura: 1; Significado histórico: 7; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 44,76.

Está canción es considerada popularmente una tierna oda hacia la amada que se ha marchado, pero realmente es una perorata de un tipo obsesionado con su ex-pareja y que la acecha en cada rincón. Esto le da un cierto valor, pues su significado ambiguo ha logrado permanecer oculto para muchas personas. No obstante, quizás lo que más confunde no es el coro que dice “Te estaré observando”, sino el bajo sensual que cimenta un espíritu de ensoñación y que la disfraza de balada romántica.

Mas aun así, es una de las favorita de todos los tiempos en la tanda de lentos y es la canción que, en la pista de baile, ambos desean con toda su alma que toquen a continuación.

79

“Smoke on the Water” – Deep Purple

Del álbum “Machine Head”, 1972

Melodía: 8; Instrumentalización: 7; Letra: 6; Estructura: 1; Significado histórico: 8; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 44,76.

Si el riff de “Back in Black” es uno de los más famosos, el de “Smoke on the Water” quizás sea EL más famoso de todos los tiempos. Es una de las primeras figuras musicales que aprenden los iniciados en la guitarra y hoy es uno de los platos centrales del «Guitar Hero». Ello porque sus doce notas son instantáneamente identificables y generan una sensación tan distintiva que debe tener una base neurológicamente particular.

La distorsión fuerte pero medida de la guitarra amplificada destaca las corcheas bien puestas que se acompañan con agilidad del bajo emergente y el teclado exquisitamente sesentero de John Lord. De ahí en adelante, “Smoke on the Water” es un tesoro del hard rock, especialmente por lo intuitivamente inspirada que es. Y ello se nota esencialmente en su letra, que describe literalmente cómo la grabación del disco casi se vio abortada porque el casino donde se llevaría a cabo se quemó durante un concierto de Frank Zappa porque “algún estúpido con una bengala hizo que ardiera el lugar hasta los cimientos”.

Una letra así de explícita, el riff magistral y toda la onda de esta canción, la hacen un hito histórico inconfundible.

78

“Enola Gay” – Orchestral Manoeuvres In The Dark

Del álbum “Organisation”, 1980

Melodía: 9; Instrumentalización: 6; Letra: 8; Estructura: 2; Significado histórico: 6; Cover: No; Riff: No. Puntaje: 44,84.

“Enola Gay” era el nombre del avión que lanzó la primera bomba atómica usada contra civiles en la historia de la humanidad. Más de 80.000 víctimas fueron el triste saldo del genocidio más rápido de la historia.

Esta canción inglesa es una crítica directa a la decisión de haber utilizado esa arma y fue publicada en medio de una controversia que rondaba a Margaret Tatcher por haber autorizado a EE.UU. a ubicar misiles nucleares en suelo británico. Sin duda, lo que la hace magistral es su capacidad para emocionar en base a un ritmo minimalista y para inspirar cientos de otras canciones. Pero su rasgo más destacable es la macabra inocencia que tiene, pues aunque parece ser una canción más que tocan en las discoteques, realmente es un recordatorio de que en la historia hay atrocidades que parecen pertenecer a otra época pero que amenazan con repetirse. Si bien a lo largo de toda la canción McCluskey canta con una mezcla impecable de melancolía y elegancia, logra construir un aura especialmente irónica en el verso “¿Está la madre orgullosa de su pequeño niño hoy?”.

No estemos orgullosos; la vergüenza es inolvidable.

77

“Bette Davis Eyes” – Kim Carnes

Del álbum “Mistaken Identity”, 1981

Melodía: 8; Instrumentalización: 9; Letra: 7; Estructura: 1; Significado histórico: 7; Cover: Sí; Riff: Sí. Puntaje: 44,85.

Escuchar la versión original de Jackie DeShannon de esta canción le hace a uno entender el valor de un buen equipo de producción y lo que logra la interpretación inspirada de una cantante experimentada. La canción original, netamente country, no es de ninguna forma mala; por el contrario, es muy pegajosa y animada. Pero es sólo la estilizada encarnación producida por Val Garay y que incluye el riff de Bill Cuomo la que posee esa frescura magistral propia de la fina selección del synthpop.

Esta creación elegante y distinguida, que encuentra a su canal ideal en la voz rasposa de Kim Carnes, claramente es un acierto de la evolución de los estudios de grabación de comienzos de los 80. Pero no fue un golpe calculado. Por el contrario, es una obra maestra producto de un momento inspirado, lo cual queda demostrado por el hecho de que fue grabada completamente en vivo en el estudio en la primera toma.

El teclado lejano, con eco, vibra al comienzo y permite que luego la canción se vaya construyendo poco a poco en una atmósfera de sonidos etéreos y definidos por el new wave. Cuando, en el segundo minuto de canción, aparece un golpe de batería que emula un aplauso, nos damos cuenta de que estamos aplaudiendo con ella y que la canción nos ha conquistado sin hacer ningún esfuerzo.

76

“All Along the Watchtower” – The Jimi Hendrix Experience

Del álbum “Electric Ladyland”, 1968

Melodía: 7; Instrumentalización: 8; Letra: 7; Estructura: 2; Significado histórico: 8; Cover: Sí; Riff: Sí. Puntaje: 44,93.

Éste debe ser uno de los covers más meritorios de la historia no sólo debido a que la canción sigue siendo reconocible a pesar de los cambios introducidos, sino principalmente debido al arreglo arriesgado, novedoso y especioso del eximio guitarrista. Es en particular la instrumentalización densa y la compleja textura de las guitarras lo que la hace destacar. De hecho, esta canción ocupa el puesto nº5 en la lista de la revista Guitar World de los 100 Mejores Solos de Guitarra. Y no es de extrañarse, pues es fruto del trabajo constante y recursivo: en ocho meses de grabación Hendrix fue agregando progresivamente más y más capas de guitarra, hasta llegar a la versión que conocemos hoy.

Al escucharla, el propio Bob Dylan dijo de esta versión “Realmente me sobrecogió. [Hendrix] Tenía tanto talento; podía encontrar cosas dentro de una canción y desarrollarlas vigorosamente. Encontró cosas que otras personas ni siquiera pensarían en hallar.”.

Por ello, por ser parte del testamento de este oriundo de Seattle heredero de la tradición de Muddy Waters y por lo apetitosamente correoso de su sonido, esta canción cierra el primer cuarto del ranking.

75

“Ænema” – Tool

Del album “Ænima”, 1996

Melodía: 9; Instrumentalización: 7; Letra: 8; Estructura: 2; Significado histórico: 5; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 44,98.

Intensa, compleja, irrepetible… esta canción envuelve nuestra mente para depositar en ella un concepto en aparencia simple, pero en realidad extremadamente poderoso.

Basada en un monólogo del humorista Bill Hicks, “Ænema” plantea un escenario apocalíptico en el que California se hunde en el mar llevándose consigo el materialismo enfermizo de su población y los antivalores propios de una sociedad plástica cancerosa, tales como la “moda” de la depresión, la virulencia de las pandillas callejeras y la cientología. Una ejecución impecable liderada por el ritmo complejo y los redobles precisos de Chancelor y la utilización de una estructura que viola el modelo clásico de estrofa-coro-estrofa, erigen a esta canción como una joya del metal progresivo.

Lo que le permite superar en este listado a otros clásicos del rock es su letra, totalmente pictórica y acertadamente crítica, como un dardo arrojado al blanco del corazón del sueño americano. Demuestra lo devastador que es el metal combinado con una buena dosis de cerebro.

74

“New Order” – Bizarre Love Triangle

Del álbum “Brotherhood”, 1986

Melodía: 9; Instrumentalización: 9; Letra: 5; Estructura: 2; Significado histórico: 7; Cover: No; Riff: No. Puntaje: 44,99.

La inesperada versión acústica que Frente! hace de esta canción es hermosa. Eso demuestra que, más allá de la multiplicidad de capas de sonido que tiene la original de este cuarteto de Manchester, es meritoria por sí misma y que su éxito se debió principalmente a su melodía casi exageradamente melodramática.

La letra, cercana a un intento dadaísta como en muchas canciones de New Order, es de mucho potencial y podría haber sido mucho mejor desarrollada. Pero solamente su producción es ya una obra de arte debido, justamente, al efecto orquestadamente coordinado que logran los sonidos y, especialmente, el sampler Fairlight CMI, plataforma sónica de esta canción. La guitarra, que evoca el lejano oeste, y la melodía, procesada como si proviniera de un clavecín eléctrico, se conjugan con golpes de sonido repentino, como un rayo, que generan el efecto de sonido de los momentos de sobresalto de una película de terror. Y si a eso le agregamos el arpegio y la batería sintética oportuna, fuerte y decidida junto con la voz alienada y desinteresada de Bernard Sumner, estaremos cerca de entender cómo esta canción tan dulce obtiene ese espíritu postmoderno, urbano que la caracteriza y que la hace perfecta como banda sonora del ciudadano contemporáneo.

73

“Wouldn’t it be Nice?” – The Beach Boys

Del álbum “Pet Sounds”, 1966

Melodía: 8; Instrumentalización: 7; Letra: 7; Estructura: 2; Significado histórico: 7; Cover: No; Riff: No. Puntaje: 45,01.

La primera canción del mítico “Pet Sounds”, el álbum con el que los Beach Boys se internaron en la adultez musical, es una muy buena canción en términos de su melodía. Pero es además un gran mérito para estos californianos y todas las bandas nacidas a la luz del pop chicloso debido a su letra, que abandona las convenciones inmediatistas del amor adolescente. En cambio, describe las vivencias de una joven pareja que anhela casarse. No es que el matrimonio en sí sea especialmente valioso, pero es la evolución del grupo, reflejada en este esfuerzo lírico, lo que la hace destacable de entre otras típicas canciones de romance, si bien incluso se podría criticar la letra como cursi.

Su naturaleza alegre se vuelve contagiosa, especialmente cuando el intermedio, suave y meloso, se interrumpe con la pregunta del título cantada con fuerza para retornar a la melodía guiada por las voces corales. Luego la canción termina con una coreografía de sonidos intensos que la despiden con bríos, como los de un caballo galopando por la pradera.

Así, todos los elementos de la carrera de los Beach Boys se hallan en esta canción acoplados de manera juiciosa y proporcionada. Ello la hace una de las mejores que alguna vez hizo este grupo de California.

72

“The Winner Takes It All” – ABBA

Del álbum “Super Trouper”, 1980

Melodía: 8; Instrumentalización: 8; Letra: 8; Estructura: 1; Significado histórico: 7; Cover: No; Riff: No. Puntaje: 45,05.

Cuesta entender que Björn Ulvaeus haya declarado que las canciones que compuso codo a codo con Benny Andersson para este cuarteto sueco ya no signifiquen mucho para él. Cuesta porque si hay algo que la música de ABBA hace es encarnizar experiencias humanas universales. Sus canciones retrataban con una paleta de vivos colores los altibajos de la experiencia amorosa y portaban ganchos adictivos que las hicieron inmortales en el inconsciente colectivo. Cualquier compilación de ABBA lo atestigua.

Pero de todas ellas ésta destaca por su dramatismo y por la madurez que porta. Se trata de una quebrantadora elegía en que una mujer habla acerca de los sentimientos involucrados alreconocer que su historia de pareja ha llegado a su fin y que él ha encontrado a otra persona. Con metáforas estremecedoras que hacen referencia al estoicismo y la resignación, la voz de Agnetha Fältskog y el piano apoltronado, tremebrundo van construyendo una canción sombría, plagada de dolor, contenido sólo por la dignidad y la sensatez que nace de anticiparse a la consumación de la separación. Mas el canto operático sostenido del final de la canción, ardiente en desconsuelo, refleja que la muerte del amor siempre, indefectiblemente, genera dolor.

Ésta es, sencillamente, una de las más perfectas canciones del pop. No es extraño que haya sido elegida la “Canción Favorita de Ruptura” de Gran Bertaña en una encuesta del 2006 realizada por el Canal Cinco de ese país.

71

“Walk” – Pantera

Del álbum “Vulgar Display of Power”, 1992

Melodía: 9; Instrumentalización: 8; Letra: 6; Estructura: 1; Significado histórico: 7; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 45,05.

El feeling biomecánico que emana de su ritmo estable es, en una sola palabra, avasallador. Quizás los cultores del metal sobrecargado, en 30 años más (si es que existe todavía el género) la escuchen y se extrañen al ver que alguien la describe así, pero es justamente lo sencillo de su instrumentalización lo que hace que la guitarra, la batería y el bajo destaquen tanto y se escuchen tan claros y se transforme, de esa manera, en una canción directa, sin rodeos.

Dado que transmite una inefable sensación de fuerza y poder, es la plataforma perfecta para el llamado al respeto y, al mismo tiempo, la vociferación más contundente que conozco. El riff del difunto Dimebag Darrell, interpretado con maestría, parece una motosierra aserruchando todo cuanto encuentra a su paso. Combinado con la pronunciación agresiva de Anselmo, esta canción transmite energía pura y te hace sentir que todos tus enemigos son alfeñiques.

Es lo mejor del metal de los 90.

70

“Take Me Out” – Franz Ferdinand

Del álbum “Franz Ferdinand”, 2004

Melodía: 9; Instrumentalización: 7; Letra: 7; Estructura: 2; Significado histórico: 7; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 45,05.

Quizás una de las canciones más adrenérgicas que existen, se trata de una composición que a través de la fuerza de sus guitarras hace cabecear rítmicamente a todos cuantos la escuchan.

En sus dos secciones claramente distinguibles se canta la historia de Francisco Fernando, heredero al trono del Imperio Austro-Húngaro, cuyo asesinato en Sarajevo en 1914 precipitó el inicio de la Primera Guerra Mundial. Mientras que en la primera parte canta la mira del rifle, declarando su rol en el desenlace de los hechos, en la segunda canta el propio Francisco Fernando aceptando su destino como víctima de las luchas geopolíticas del mundo. Esta letra –que podría haber recibido una bonificación de un punto por su selecta referencia, pero que no la obtuvo justamente por lo oscuro de la misma– siempre ha llamado mi atención porque me hace pensar en cómo, si bien en los procesos sociales las causas no se suscitan en un momento único, sino que se fraguan durante mucho tiempo y son parte de complejos sistemas inmateriales en acción, sí existen momentos que reúnen todas esas fuerzas y las canalizan en el espacio-tiempo.

Porque así como los disparos necesitan un gatillo, las guerras necesitan siempre una primera agresión.

69

“Rock and Roll All Nite” – Kiss

Del álbum “Dressed to Kill”, 1975

Melodía: 9; Instrumentalización: 6; Letra: 5; Estructura: 1; Significado histórico: 9; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 45,19.

Apenas 0,14 puntos por sobre una de las mejores canciones del metal, se encuentra ésta, que se desliza en el margen que diferencia a este género del hard rock.

Sin duda la canción que más identifica a Kiss, “Rock and Roll All Nite” es al mismo tiempo una de las creaciones más recordadas del rock, casi el himno de las fiestas y, por supuesto, la canción más esperada en los apoteósicos conciertos de esta banda. Con su toque celebratorio y lo simple de su letra, fluye por una vertiente enérgica, melódica y que involucra emociones clara y brillantes. A través de su coro obnubilante rescata la sensación embriagadora de estar en mitad de una fiesta, rodeado de amigos y deseando que la noche no acabe nunca.

A pesar de lo simple de su letra, es y siempre será un clásico.

68

“The End” – The Doors

Del álbum “The Doors”, 1967

Melodía: 6; Instrumentalización: 8; Letra: 8; Estructura: 2; Significado histórico: 9; Cover: No; Riff: No. Puntaje: 45,22.

Uno de los mayores aciertos del rock psicodélico, esta envolvente construcción musical sentó las bases para el sonido misterioso del género en los años por venir. La guitarra orientalizada de tono místico, sinuosa como una serpiente, permea toda la canción y le otorga un sonido aborigen. Por otro lado los platillos, tocados por Densmore de manera suave, van volviéndose progresivamente más misteriosos a medida que la canción se va desplegando y llega a su clímax, hacia el final, en donde los instrumentos explotan en una orgía de sabor sónico que evoca bacanales romanas y rituales tribales.

Pero esta canción tiene además otro mérito, un significado histórico, y es que cristaliza con pericia el legado del psicoanálisis en su letra. En ésta, la presente canción se adjudica el que quizás es el verso más polémico de la historia del rock.

“El asesino se despertó antes del amanecer, se puso sus botas
Tomó una cara de la antigua galería
Y continuó caminando por el salón
Fue al cuarto donde vivía su hermana y… luego
Le hizo una visita a su hermano y luego
Continuó caminando por el salón y
Llegó a una puerta… y miró hacia adentro
«Padre», «¿Sí, hijo?», «Quiero matarte»
«Madre… Quiero… ¡cogerte!» ”

Con estas y otras referencias edípicas logra construir una metáfora difícil de definir, pero altamente seductora y que parece derribar los tabúes de la sociedad con el mismo histrionismo aceptable de las obras de Shakespeare en el siglo XVI.

Por su arrojo, la rabiosa locura de su melodía, su intrincada alegoría y el impacto que tuvo en toda una generación, esta canción es la merecedora ocupante del puesto nº68.

67

“All Together Now” – The Farm

Single, 1990

Melodía: 9; Instrumentalización: 7; Letra: 9; Estructura: 1; Significado histórico: 7; Cover: No; Riff: No. Puntaje: 45,86.

Esta canción me conmueve porque narra la historia de la Tregua de Navidad, es decir,diversos ceses al fuego espontáneos que se dieron durante la Primera Guerra Mundial.

Dicho armisticio comenzó en Nochebuena de 1914, cuando las tropas alemanas decoraron sus trincheras en la región de Ypres, Bélgica. Comenzaron poniendo velas en los árboles y luego continuaron cantando villancicos. Los ingleses respondieron con otros villancicos. Luego, crecientes en seguridad y número, soldados de ambos bandos comenzaron a acercarse a sus enemigos hasta que cruzaron la línea que dividía ambos campos. De ahí en adelante hubo abrazos, brindis e intercambios de regalos que duraron toda la noche.

Si bien la melodía -una adaptación del Canon en Re Mayor de Pachelbel- es esperanzadora por sí sola, uno de los aspectos más valiosos de esta canción es su letra, que atestigua cómo a veces puede detenerse el frenesí de la carnicería que es la guerra para permitir el surgimiento de la fraternidad. Es por esa complementación de sonido y contenido que esta canción recibe la puntuación que la ubica incluso por sobre grandes clásicos del rock.

66

“Rock and Roll” – Led Zeppelin

Del álbum “IV”, 1971

Melodía: 10; Instrumentalización: 7; Letra: 4; Estructura: 1; Significado histórico: 7; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 45,45.

Ésta es la canción que define al rock, desde el título, pasando por la letra, hasta el ritmo y la instrumentalización. A través de una melodía inexplicablemente cautivante, en cosa de poco más de tres minutos y medio deja claro cómo debe sonar una canción que usa una voz, un bajo, una batería y una guitarra. De hecho, destila la esencia misma del género: primero, una introducción arrolladora de la batería; luego, la entrada de la guitarra con el timing perfecto presentándonos su riff de elite; a continuación, la voz de Robert Plant que aúlla con convicción y que sirve de breve conexión entre una tanda y otra de la canción con su “lonely, lonely, lonely, lonely, lonely…”; de ahí reaparece la batería para retomar el ritmo con la palabra “… time”. Es un acto perfecto de prestidigitación sonora.

Al mismo tiempo, esta canción es la concreción de las estructuras más recurrentes del rock. Eso queda claro en el hecho de que fue el resultado de una serie de sesiones de improvisación y que tomó forma a medida que el cuarteto la fue desarrollando para grabarla. En ese sentido, tanto en su estructura como en su título y en gestación, es la canción más rockera que existe.

65

“Like a Rolling Stone” – Bob Dylan

Del álbum “Highway 61 Revisited”, 1965

Melodía: 7; Instrumentalización: 5; Letra: 7; Estructura: 2; Significado histórico: 10; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 45,40.

Ésta es la canción epítome de la caída en desgracia y, al mismo tiempo, una de las más conocidas de este juglar urbano. A lo largo de sus 6 minutos (que provienen de un cuento de 24 páginas que el propio Dylan escribió) se cuenta la historia de una chica acomodada que se ve despojada de sus bienes por un inescrupuloso administrador y termina viviendo en la calle. Y si bien inició la época conocida como “eléctrica” de Dylan, la principal gracia de esta canción no es eso, así como tampoco lo es el relato que contiene, sino cómo se narra. Con una actitud reprendedora y con la guitarra de escala ascedente de Michael Bloomfield que se acentúa en cada cambio por el infuyente y exultante riff de órgano Hammond de Al Kooper, este cantante logra darle un tono solemne a su narrativa.

Quizás es por la ensalada de sentimientos que se reúnen al inicio del coro en que Dylan canta “¿Cómo se siente…?” que esta canción adquiere una sensación biográfica, que la ha hecho ideal para las memorias de muchos y que hizo que la revista Rolling Stone la declarara la mejor canción de todos los tiempos. Aunque, claro, las motivaciones en esa elección son poco menos que obvias.

64

“Love is a Battlefield” – Pat Benatar

Del álbum “Live from Earth”, 1983

Melodía: 9; Instrumentalización: 7; Letra: 7; Estructura: 2; Significado histórico: 7; Cover: No; Riff: No. Puntaje: 45,46.

El que parecía ser un single más de la plástica década de los 80, con el tiempo ha ido adquiriendo un sabor tremendamente distintivo de entre sus compañeros de lista de la época. “Love is a Battlfield” es una canción melodramática, casi teatral, que constituye, en pocas palabras, el resultado de la combinación entre una gran melodía y una gran producción.

Dominada por la percusión, coloreada por un teclado a veces sutil y a veces venusino, guiada por la voz marcada y furiosa de Pat Benatar, esta canción desde el momento en que fue grabada, fue hecha para ser un éxito. Si hasta extrae la crema del heavy metal con un punteo de guitarra que hacia el minuto 4:20 le da un broche de oro al single. Una movida muy calculada del veterano productor Mike Chapman, que sabía muy bien lo que estaba haciendo y lo que podía lograr con una cantante que estaba en el peak de su carrera.

63

“Teen Age Riot” – Sonic Youth

Del álbum “Daydream Nation”, 1988

Melodía: 8; Instrumentalización: 9; Letra: 6; Estructura: 1; Significado histórico: 8; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 45,51.

Sonic Youth ha grabado un montón de canciones endemoniadamente buenas. Y por eso era obvio que estaría con una de ellas en el ranking. Si hay algo que hace a “Teen Age Riot” ser la canción que los representa es porque, justamente, es la que mejor cuece los ingredientes que han hecho a estos neoyorkinos “la banda joven más vieja del mundo”.

Más de un minuto de introducción nos sumerge en la calma inicial, tras la cual desaparece la percusión y comienza el riff, como si ahora sí fuese en serio. Y de ahí en adelante, bajo una atmósfera disonante –que es la marca registrada de Sonic Youth y que hace que todos los demás grupos parezcan extremadamente conservadores y timoratos– la canción se desenvuelve rápida, fascinante, extrañamente melodiosa, como nada que Sonic Youth había hecho antes. Todo ello combinado con su trato diáfano de las cuerdas y las reverberaciones tremendamente rockeras pero poco pretenciosas la marcaron en su época como un favorito de las radioestaciones independientes, le merecieron integrar el grupo de las “500 Canciones que Formaron el Rock and Roll” (del Salón de la Fama del Rock and Roll) y le ganaron su inamovible espacio en este ranking.

62

“Time after Time” – Cyndi Lauper

Del álbum “She’s So Unusual”, 1983

Melodía: 9; Instrumentalización: 8; Letra: 7; Estructura: 1; Significado histórico: 7; Cover: No; Riff: No. Puntaje: 45,56.

Si existe una canción que encarna la tristeza de una manera extraordinaria es ésta. Con su guitarra etérea y cristalina, y con su naturaleza cinematográfica es sobrecogedora a ratos. La voz dolida pero autoreconfortante de Cyndi Lauper, apoyada en el bombo seguro, fragua una balada maestral del pop, hecha para adornar el cielo al mirarlo de noche entre lágrimas y que expresa la imaginería de una pareja luchando por mantenerse junta a pesar del desamor:

“A veces me imaginas,
Estoy caminando demasiado lejos
Me estás llamando, no puedo escuchar
Lo que has dicho
Luego dices «Anda lento
Me quedo atrás»
La segunda mano se extiende…”

Pero, finalmente, la separación se hace inapelable:

“Me doy vuelta, mi foto se ha desvanecido
Y la oscuridad se ha tornado gris
Mirando a través de las ventanas, te preguntas si estaré bien
Secretos robados, desde lo más profundo
el tambor suena a destiempo…”

Si no fuera porque esta canción fue en su momento la descripción real de la situación que vivían su autora y David Wolff, su novio en aquel momento (y que incluso aparece en el video clip), no sería tan poderosa. Pero lo es, y sin duda ha logrado musicalizar los momentos de tristeza profunda de muchas personas que han tomado una decisión que todavía les duele.

61

“The Times They are a-Changing” – Bob Dylan

Del álbum “The Times They are a-Changing”, 1964

Melodía: 7; Instrumentalización: 5; Letra: 10; Estructura: 1; Significado histórico: 9; Cover: No; Riff: No. Puntaje: 45,59.

La mejor forma de musicalizar un documental acerca del movimiento juvenil de los años 60 es con esta canción. Porque es un prístino llamado a una generación para que tome conciencia de cómo su visión de mundo ha caducado en un entorno de nuevas tecnologías, nuevos recursos y nuevos objetivos sociales. Y porque es un manifiesto antonomásico del folk que regaba los sueños de esa década.

“Venid madres y padres desde todo el país
Y no critiqueis lo que no podeis entender
Vuestros hijos e hijas están más allá de vuestro control
Vuestra antigua carretera está envejeciendo rápidamente.
Por favor, salid de la nueva si no podeis echar una mano
puesto que los tiempos están cambiando.”

Esta nostálgica canción acerca del paso del tiempo, de volverse inevitablemente obsoleto y de la necesidad de adaptarse a una nueva sociedad, posee una cualidad añejada que hace imposible no ponerle atención. Su armónica, instrumento hoy rara vez escuchado en las canciones de la radio, y su guitarra de rasgueo sincero son elementos que con muy poco construyen mucho.

Así pues, en este ranking, esta canción representa la simplicidad.

60

“Heart of Glass” – Blondie

Del álbum “Paralell Lines”, 1979

Melodía: 9; Instrumentalización: 9; Letra: 3; Estructura: 2; Significado histórico: 8; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 45,73.

De las tantas canciones que se envistieron con una capa de sonido disco ésta es quizás la más perdurable.

Inicialmente era una canción con un toque reggae, pero Mike Chapman –el productor y compositor detrás de éxitos de Pat Benatar, The Sweet y The Knack– tomó las riendas de la producción y decidió darle un toque disco que fue inicialmente resistido por la banda, pero que finalmente conquistó a todo el mundo. Hoy en día, al sonar, hace que todas las mujeres se crean Deborah Harry y bailen patéticamente tratando de imitarla.

Si está acá es por lo pegajoso de su melodía y por el balance impecable de sus ingredientes, armonizados con gusto refinado por una mente maestra en medio de una marea de zapatos de plataforma. Muy bien por ella.

59

“Iron Man” – Black Sabbath

Del álbum “Paranoid”, 1971

Melodía: 8; Instrumentalización: 6; Letra: 6; Estructura: 2; Significado histórico: 9; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 45,75.

Esta oscura y confusa narración acerca de un hombre que viaja en el tiempo, que presencia el apocalipsis y que luego vuelve para vengarse de personas a las cuales salvó, es la madre del sludge metal y favorita de muchas, muchas personas. Con su guitarreo pantanoso y esa musicalización que suena inmediatamente tóxica, pero adictiva, es el sonido ejemplificador de la artillería y es cómo sonaría un tanque si se transformara en música.

Si su atractivo fuera un campo gravitatorio, esta canción definitivamente sería Júpiter y pocos cuerpos celestes escaparían de ella. De hecho, el año 2000, casi 30 años después de haber sido compuesta, ganó el Grammy a la mejor Interpretación de Rock; el 2006 logró el lugar Nº1 en el listado de las 40 Más Grandiosas Canciones de Metal de VH1; y, por último, muchas personas la tienen de ringtone, y ello se nota en el hecho de que el 2008 quedó 5ª en el listado de ringtones de la Billboard.

Ésta es, sin lugar a dudas, uno de los pesos pesados del rock.

58

“March of the Pigs” – Nine Inch Nails

Del álbum “The Downward Spiral”, 1994

Melodía: 9; Instrumentalización: 8; Letra: 8; Estructura: 2; Significado histórico: 6; Cover: No; Riff: No. Puntaje: 45,76.

Este ataque sónico de tres minutos es, sencillamente, una de las canciones más furiosamente energéticas que existen. Y no es de extrañarse que así sea, dado que fue inspirada por la irrupción de la secta de Charles Manson, conocida como “La Familia”, en la casa de Roman Polanski y en la cual fueron asesinadas 4 personas, incluyendo a la esposa embarazada del director. Descontrolada, desorganizada y casi psicótica, comienza con un irreproducible ritmo de batería que es la antesala de la explosión de una guitarra saturadísima que acompaña a Trent Reznor en un escupitajo iracundo que le hace exorcisar uno a uno todos los demonios que tiene dentro.

Tras un intermedio calmado que reúne fuerzas para un próximo –y definitivo– asalto, con fiero denuedo Reznor canta:

“¡Empújalo hacia adentro!
¡Sorpresa!
¡Mentiras!
Manchas como sangre en tus dientes”

Y finalmente, llegando a las orillas de una playa de quietud, la canción termina con un piano reflexivo. El escucha ha quedado agotado, pero satisfecho con esta inusual canción que combina dos compases de 7/8 con uno de 4/4.

Una melodía interpretada de esta forma, con tal furia y tal resolución, no se encuentra en cualquier parte.

57

“Time in a Bottle” – Jim Croce

Del álbum “You Don’t Mess Around with Jim”, 1972

Melodía: 8; Instrumentalización: 6; Letra: 9; Estructura: 1; Significado histórico: 8; Cover: No; Riff: No. Puntaje: 45,76.

Desde el arpegio de ensueño del comienzo, esta canción se presenta como deliciosa y exhibe todo su poder para evocar momentos del pasado en un color sepia atrayente y romántico.

Con estrofas como ésta:

“Si pudiera hacer que los días duraran para siempre
Si las palabras pudieran convertir los deseos en realidad
Guardaría cada día como un tesoro y luego,
Otra vez, los pasaría contigo.”

es la declaración de amor ideal. Es el recuento de un sentimiento que testimonia el deseo de mantener frescos los recuerdos conjuntos con el ser amado y, así, reafirma una historia de amor en un memento mori plácido y reflexivo.

Con el delicioso efecto que hacen las uñas de Jim Croce contra el relieve de las cuerdas, el sonido alcanza una claridad deleitable, que es como ver el fondo de un estanque lleno de agua de montaña, lo que la hace perfecta para un día en la ladera del cerro, contemplando el día soleado. Es un manifiesto romántico insuperable adornado con una melodía fantástica. No hay nada más que hacer.

56

“Stairway to Heaven” – Led Zeppelin

Del álbum “IV”, 1971

Melodía: 8; Instrumentalización: 6; Letra: 7; Estructura: 1; Significado histórico: 9; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 45,95.

A lo largo de estos más de 50 años de rock, ha pasado muchas generaciones de cultores del místicismo y las ideas de un movimiento que se ha reconfigurado muchas veces. Éste es su himno.

Su tonalidad inicial, ascética y contemplativa acompañada de una flauta sutil y un canto cuidadoso la hacen irresistible. Escucharlo hace que te den ganas de entrar a un estado privado del nirvana y de trascender la cruda materia que te compone. Esta canción se halla tan bien construida que te lleva en un verdadero viaje místico desde un entorno calmado y protegido a una especie de nueva conciencia del rock. Pero jamás envejece. Aunque porta toda la onda de fines de los 60, se beneficia de los niveles de producción de comienzos de los 70 y sigue manteniendo su aura intacta. De hecho, la revista Classic Rock del Reino Unido la escogió en 1999 como una de las diez mejores canciones de la historia, mientras que el año 2000 el canal VH1 la incluyó en su listado de las 100 Más Grandiosas Canciones del Rock de todos los tiempos. Y sin ir más lejos, en un breve sondeo que hice entre estudiantes universitarios en el 2009, fue elegida como la mejor canción de todos los tiempos. Y todas eran personas que tenían entre 19 y 21 años.

Todo ello la convierte, por derecho propio, en una obra maestra perpetua.

55

“Sheep” – Pink Floyd

Del álbum “Animals”, 1977

Melodía: 7; Instrumentalización: 8; Letra: 8; Estructura: 2; Significado histórico: 7; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 45,81.

Parece un error garrafal haber puntuado tan bien esta canción de Pink Floyd en desmedro de otras de su catálogo. Pero, a decir verdad, es una de las más melódicas y placenteramente complejas de estos londinenses, fiel nuncio del rock progresivo que alcanzó su peak de madurez en los 70, cuando la tecnología de grabación pasó de ser un mero chiche de cableos a un monstruo de la manipulación de sonidos.

Tras un prólogo campechano, la canción se vuelve una proclama ominosa de la ceguera de las ovejas en tanto clase más baja del sistema social -alegoría del proletariado-, explotadas y sacrificadas sin darse cuenta. Mientras que la primera estrofa las describe pastando pacíficamente, la segunda revela –en medio de referencias bíblicas– que son llevadas al matadero. Todo ello entremedio de una gran mezcla de elementos y recursos experimentales (tal como la voz robótica que describe los pensamientos conformistas de las víctimas) que sólo pueden haber cuajado después de que el progreso del rock alcanzó un punto artístico específico.

Así, esta canción, hija de la experimentación sónica, representa en este punto el poder de la fusión de la creatividad musical, el virtuosismo artístico y las buenas decisiones técnicas.

54

“The Great Pretender” – The Platters

Single, 1955

Melodía: 8; Instrumentalización: 5; Letra: 7; Estructura: 1; Significado histórico: 10; Cover: No; Riff: No. Puntaje: 45,81.

Esta canción es el epítome de la elegancia. Nacida del doo-woop y portando con orgullo toda la tradición y la experiencia del género, en ella los Platters logran coros precisos que le agregan emotividad al clásico lamento de un amor no correspondido. Su voz elevada y satinada apasiona a quien la escucha vistiéndolo de gala y rodeándolo de reflectores y un micrófono. ¿Quién no ha cantado al son de esta canción creyéndose un caballero de antaño, de aquella romántica época en que los novios se encontraban en la sala de estar y se conducía a 50 km/h?

Quizás lo que más queda de esta canción es su capacidad para representar el dolor de la soledad y de saberse un rey en un mundo de fantasía. Queda muy claro en el inolvidable pasaje en que Tony Williams prolonga su voz de tenor en un aullido sostenido, en que la frase “Pretendiendo que tú todavía estás cerca” se prolonga… como el dolor en la soledad.

53

“Everybody’s got to Learn Sometime” – The Korgis

Del álbum “Dumb Waiters”, 1980

Melodía: 9; Instrumentalización: 8; Letra: 7; Estructura: 1; Significado histórico: 7; Cover: No; Riff: No. Puntaje: 45,84.

Esta canción, que llegó al 5º puesto de las listas de popularidad en el Reino Unido, siempre ha permanecido con nosotros. Su tristeza existencialista, extrema, se adhiere a uno y transmite esa sensación ambigua de goce en la melancolía. Es ese estado que los músicos de antaño llamaron “blues” el que esta canción tan bien capta: desde que suena ese trágico piano eléctrico, el alma del escucha se cubre de sombras.

Pero por eso mismo es hermosísima: porque su excelsa melodía es el estrado ideal para su letra extremadamente simple, pero potente, que pareciera portar siglos de sabiduría en torno a las relaciones humanas y que llama a esperar a que el momento de las conclusiones llegue por sí mismo. Es una elegía que detiene el tiempo y crea un espacio de reflexión obligada. Es para apagar la luz, quedar en penumbra y encender un cigarro.

52

“Layla” – Derek & the Dominoes

Del álbum “Layla and other Assorted Love Songs”, 1970

Melodía: 8; Instrumentalización: 10; Letra: 4; Estructura: 2; Significado histórico: 7; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 45,85.

En esta súplica de amor no correspondido atormentadamente Eric Clapton le declaró su sentimiento a Patty Boyd –entonces esposa de George Harrison– diciendo:

“Por favor no me digas que nunca encontraremos una forma,
Y me digas que todo mi amor es en vano.”

En medio de un riff definitivamente ilustre, esta canción concentra con pureza todas las grandes virtudes del rock. Lejos, lo más destacable de ella es la precisión de su instrumentación, en donde las cuerdas de Clapton sobresalen y nos hacen entender que sólo pocos guitarristas podrían interpretarla de esta forma.

Pero su estructura descolla también entre sus congéneres. Al comenzar con una fuerza desesperada, hace de sí misma un llamado urgente a la acción. Pero luego ese vigor evoluciona en una canción distinta, pero que mantiene el espíritu básico de la melodía. Con el piano refleja la aceptación sin palabras. El protagonista parecer admitir que ya no hay nada que decir.

Y así “Layla”, con su sonido perfecto y una letra casi extraída de la obra de Gustavo Adolfo Bécquer, se vuelve una obra maestra. En suma, representa a todos aquellos que pensaron que nunca podrían dejar de amar a una mujer y terminaron aceptando que en la vida hay sinsabores que sólo se pueden callar.

51

“Blue” – Joni Mitchell

Del álbum “Blue”, 1971

Melodía: 8; Instrumentalización: 8; Letra: 8; Estructura: 1; Significado histórico: 7; Cover: No; Riff: No. Puntaje: 45,85.

El azul es un símbolo preciado para la poesía ya que representa la profundidad de la reflexión y de la inspiración, pero también refleja la tristeza en su estado más puro, evocando la penumbra de los días de invierno. El vibrato en la voz fina y cálida, pero triste, de Joni Mitchell nos da la sensación de las gotas de lluvia arrastrándose por el vidrio de la ventana. Y es exactamente esa imagen la que logra captar esta balada en donde el piano se conduce de manera espléndida a través de la melodía sinuosa que de forma timorata se va asomando en el lamento de esta artista canadiense.

Esta canción -en que las notas apenas tantean la superficie del agua- refleja perfectamente lo que es acordarse de un pasado alegre e inolvidable, pero lejano. Así, si es cierto que “las canciones son como tatuajes”, ésta es un tatuaje profundo que es tan nuestro que no queremos hablar de él.

50

“Wild Wild Life” – Talking Heads

Del álbum “True Stories”, 1986

Melodía: 9; Instrumentalización: 7; Letra: 9; Estructura: 1; Significado histórico: 7; Cover: No; Riff: No. Puntaje: 45,86.

Los Talking Heads tienen muchas canciones buenas y aportaron a hacer del surrealismo una vertiente fértil no sólo para el denominado art-rock, sino para el rock en general. Pero es ésta canción la que mejor combina su capacidad de hacer un muy buen ritmo, su intelectual sentido del humor y ese toque alegre y dicharachero que siempre los caracterizó. Es una canción acerca de la locura y del salvajismo que, apoyada en un bajo ferroviario y una guitarra puntuda con una escala descendiente, posee la naturaleza de una fiesta que se va haciendo más y más entretenida a medida que se adentra en la madrugada. Esos “Oh-oh, oh, oh” de cada coro son lo que siempre recordaremos y que hacen de ésta una canción inolvidable.

49

“Don’t You Want Me” – The Human League

Del álbum “Dare”, 1981

Melodía: 8; Instrumentalización: 10; Letra: 8; Estructura: 1; Significado histórico: 9; Cover: No; Riff: No. Puntaje: 49,15.

Este single, que vendió 1.400.000 copias sólo en el Reino Unido, es quizás la mejor canción de desafío de parejas. Capta con maestría el sonido de los ochenta, con esos sintetizadores crudos y molestosos, pero acá transformados en una orquesta de tañidos nostálgicos y es por eso que su melodía simple, parsimoniosa y apoyada en el ritmo programado que hace pensar en un helicóptero de fondo, es un sustrato ideal para el dueto entre Phillip Oakey y Susan Ann Sulley. De manera impactante, derretidora, esta última canta:

“Yo trabajaba como mesera en un bar. Eso es verdad.
Pero incluso entonces sabía que encontraría un mejor lugar
Ya fuese contigo o sin ti
Los cinco años que habíamos tenido fueron muy buenos momentos
¡Todavía te amo!
Pero ahora pienso que es momento de que viva mi vida yo sola
Supongo que es sencillamente lo que debo hacer”

Solamente por la dura sinceridad del diálogo, esta canción ganó un punto que la ubicó dentro de las 50 primeras. Pero es toda su panoplia de sonidos y su espíritu perenne lo que la hace merecedora de esta entre las 100 mejores.

No es de sorprenderse que si bien a Oakey le desagradaba esta canción al comienzo, su éxito le haya hecho cambiar de opinión rápida y definitivamente.

48

“Dancin’ in the Dark” – Bruce Springsteen

Del álbum “Born in the U.S.A.”, 1984

Melodía: 8; Instrumentalización: 6; Letra: 8; Estructura: 2; Significado histórico: 8; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 45,97.

Ésta es una de las mejores aperturas con un ritmo estable de batería en la historia. Y es por eso que esta canción te cautiva de entrada, porque ese latido constante es tremendamente energizante y con esa batería procesada, con eco, suena épica e imposible de ignorar. Es la canción que, si comienza a sonar como música de fondo, inmediatamente cautiva tu atención.

Lo más llamativo de todo es su naturaleza paradójica, pues en su letra Bruce Springsteen plasmó las angustiosas desventuras de un bloqueo creativo que había estado sufriendo y que, justamente, exorcisó con esta canción. Quizás por eso es tan explosiva y tonificada.

Con sus precisas notas de metalófono se vuelve ideal para bailar, trotar, correr, entrenar, andar en auto o planear hacia el sol. Es adrenalina convertida en notas.

47

“Autobahn” – Kraftwerk

Del álbum “Autobahn”, 1974

Melodía: 8; Instrumentalización: 10; Letra: 4; Estructura: 2; Significado histórico: 9; Cover: No; Riff: No. Puntaje: 45,98.

El valor histórico de esta obra maestra es incalculable. Mientras que el mundo estaba dominado por bandas grandilocuentes como Kiss, The Rolling Stones y GrandFunk Railroad, este cuarteto alemán editó un disco en donde la mayoría de los sonidos eran sintéticos. Sólo la flauta y la guitarra son instrumentos reales.

Así, se vuelve un tema que logra gran elegancia a través de una atmósfera completamente sintética, pero que no por eso suena antinatural. Por el contrario, plasma con maestría el efecto doppler de una autopista, casi recreando los pasos sobre nivel, los postes, los letreros y hasta las vacas del campo que pasan a toda velocidad por el lado del auto. De hecho, llega a lograr que uno entre en un trance hipnótico de movimiento.

Con su fluidez y suavidad, y con su instrumentalización pionera, esta canción tiene el gran mérito de ser el primer éxito internacional de la música electrónica y fue la que sentó el plano maestro para muchos otros géneros que nacerían en el futuro.

46

“Message in a Bottle” – The Police

Del álbum “Regatta de Blanc”, 1977

Melodía: 7; Instrumentalización: 6; Letra: 10; Estructura: 1; Significado histórico: 8; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 46,01.

Creo que ni siquiera hay que justificar el por qué del gran puntaje que recibe esta canción en la categoría de impacto de la letra. Es una composición acerca de la soledad, como muchas otras, pero es una de las pocas que ofrece una historia que llega fácilmente a todos los cerebros, que tiene un desarrollo y una conclusión, con alegorías precisas, fáciles de entender y, además, hermosas. Así, la narración de las desventuras de un náufrago tienen un epílogo que si no se puede considerar feliz, por lo menos nos deja una valiosa lección:

“Salí a caminar esta mañana; no creerán lo que vi
Cien mil millones de botellas encalladas en la bahía
Parece que no estoy solo en el estar solo
Cien mil millones de náufragos buscando un hogar”

Es una paradoja: si bien es una canción que habla acerca de un mensaje, es un mensaje en sí misma para todas las personas del mundo que se sienten solas en la vida.

Pero ninguna letra, por magistral que sea, tendría sentido sin una plataforma musical meritoria. Y éste es el caso de “Message in a Bottle”. Es una canción espectacular, en que cada instrumento parece entrar y salir en el momento apropiado, dejándole el centro de la escena a otro cuando es oportuno. Con su ritmo pasado a reggae –pero del bueno–, queda claro que Police depuró los mejores elementos de la música jamaiquina combinándolos con la crema del rock y con ello logró una obra maestra. Especialmente se nota hacia el final, en que es como si los punteos atmosféricos de la guitarra de Summers cantaran junto con Sting.

Es una canción hermosa, que logra dejar una huella emocional aprovechando los elementos más sobresalientes del rock.

45

“Been Caught Stealing” – Jane’s Addiction

Del álbum “Ritual de lo Habitual”, 1990

Melodía: 10; Instrumentalización: 7; Letra: 6; Estructura: 2; Significado histórico: 6; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 46,13.

Esta defensa del robo como una forma de luchar contra el establishment, posee un gran rasgueo de guitarra que, con la batería, los bongós, y la voz aguda de Perry Farrell, arma un ritmo pegajoso que anima cualquier fiesta. Pero lo que la hace destacable y merecedora de estar entre las 50 mejores canciones de la historia, es su ritmo, combina con dinamismo las infuencias funk de la banda, especialmente en su línea de bajo, y juega con una infrecuente dinámica de parada y arranque que la hace instantáneamente reconocible.

Es una canción que representa, para mí, la alegría misma.

44

“Major Tom (Coming Home)” – Peter Schilling

Del álbum “Error in the System”, 1983

Melodía: 9; Instrumentalización: 7; Letra: 9; Estructura: 1; Significado histórico: 6; Cover: No; Riff: No. Puntaje: 45,86.

Hay one-hit-wonders que le pegan directo al clavo y “Major Tom” es una de ellas. Se trata de una canción basada en el personaje creado por David Bowie en “Space Oddity” que cuenta las reflexiones y pensamientos de este astronauta al abandonarse a la inmensidad del vacío. Y de cómo siente que vuelve a casa.

Lo que la hace extremadamente sublime es cómo en ella la música refleja muy bien la letra, especialmente la sensación de inmensidad del universo ante nosotros y de la superioridad de la nada por sobre la existencia. Así lo testimonia el extracto que dice:

“La Tierra bajo nosotros
a la deriva, cayendo.
Flotando sin peso
volviendo a casa…”

Es la perfecta invitación a experimentar una toma de conciencia a través de los sonidos cuidadosamente elaborados y bien puestos de un sintentizador.

43

“Summertime Blues” – Eddie Cochran

Single, 1958

Melodía: 8; Instrumentalización: 6; Letra: 7; Estructura: 1; Significado histórico: 8; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 46,14.

Ésta es una de las pocas canciones de los 50 que siguen siendo extremadamente entretenidas y que retienen su sabor lúdico y cool. Su bajo oscilante lo hace a uno caer en la canción como una mosca cae en el papel engomado y, además, tiene un formidable sentido de la oportunidad pues el riff entra en los momentos indicados coincidiendo con las ganas que uno tiene de mover el cuerpo.

Escrita como una queja de un adolescente hacia el exceso de trabajo en los veranos y las trabas ante el disfrute de la vida, exhibe a momentos cuñas del jefe que, con una voz grave graciosa, genera una imaginería que se hace universal y tremendamente empatizable:

“Cada vez que llamo a mi nena y trato de que nos juntemos
Mi jefe me dice, «Ni lo intentes, hijo, tienes que trabajar hasta tarde»
Algunas veces me pregunto qué voy a hacer
Pero no hay cura para los blues del verano”

Así, tanto en su letra como en su melodía, captura muy bien el espíritu del verano del año y el del verano de la vida. Es la invitación perfecta para aplaudir rítmicamente al son de una carrera en auto bajo el sol estival.

42

“Father and Son” – Cat Stevens

Del álbum “Tea for the Tillerman”, 1970

Melodía: 7; Instrumentalización: 8; Letra: 9; Estructura: 1; Significado histórico: 8; Cover: No; Riff: No. Puntaje: 46,15.

La que es quizás la más conocida y más cautivante canción reflexiva que existe, se halla en el 42º lugar por su rasgueo cansino y su punteo delicioso, pero especialmente por la armonía perfecta que logra entre letra y música.

“Piensa en todo lo que tienes
Pues estarás aquí mañana, pero tus sueños quizás no”

son palabras que resuenan universalmente en todo aquel que ha tomado conciencia de la inminencia de la vejez y de la necesidad de labrar un futuro. Pero incluso si no es ése el camino que uno ha elegido, es imposible no empatizar con el padre que sabe que morirá algún día y dice

“Desde el momento en que pude hablar se me ordenó escuchar
Pero hay una forma y sé que tengo que irme lejos.
Sé que tengo que irme”

La forma son las leyes de la vida, y una de ellas es la muerte. Y darse cuenta de ello es el primer paso para dejar la infancia atrás. Por ello su puntaje tan elevado en la dimensión de significado histórico: porque incontables personas han de tenerla entre sus favoritas y han de tener recuerdos irremplazables de ella.

41

“Imagine” – John Lennon

Del álbum “Imagine”, 1971

Melodía: 7; Instrumentalización: 6; Letra: 8; Estructura: 1; Significado histórico: 10; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 46,15.

El himno pacifista por excelencia, llama a combatir el descreimiento y unir fuerzas en pro de la sociedad ideal en la cual se hayan superado los males de la historia de la humanidad: hambre, guerra, miedo y odio. Este canto, con su deliciosa melodía de simple estructura de piano, como un arrullo, es el canto que expresa cómo es soñar con una sociedad fraterna, donde no hay diferencias de clase social y donde todos viven en paz. Particularmente, el verso que dice “Nada por qué vivir o morir, tampoco religión” parece contradecir el espíritu idealista de la canción, pero no es tal discordancia, pues sería ridículo pensar en que un mundo sin motivaciones y sin esperanza en la vida eterna podría ser justo para todos. Por el contrario, es justamente un llamado al laicismo: la abolición de las causas radicales y la inexistencia de un dogma que dictamina a qué deben dedicar las personas sus vidas.

Siempre, a pesar de su simpleza casi sosa, será una favorita de las masas.

40

“The Fly” – U2

Del álbum “Achtung Baby”, 1991

Melodía: 7; Instrumentalización: 10; Letra: 7; Estructura: 2; Significado histórico: 8; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 46,54.

Esta aleación de sonidos estridentes fue un hito mundial cuando apareció como single promocional. Siendo la punta de lanza de un álbum que revolucionó al rock, posee el mérito de ser, más encima, la canción que mejor representa este disco, que relanzó la carrera de U2 y que Bono describió como “el sonido de cuatro hombres desintegrando el ‘The Joshua Tree’ ”. Su ampulosa combinación de guitarras distorsionadas con ritmos de percusión programada le demostraron al mundo que la música con sabor a remix no era sólo para las pistas de baile ni los solistas con el pecho depilado, sino que era posible hacer rock en serio usando los avances de la tecnología para crear atmósferas de múltiples capas que obtenían un efecto envolvente nuevo, intencionadamente complejo y adictivo.

La guitarra pasada por la atmósfera de Saturno se carga de partículas anómalas y, si a eso le sumamos el juego de una voz gospel y otra baja, sugerente, que genera un contrapunto casi impensable antes de que esta canción viera la luz, tenemos un producto extremadamente esquizofrénico pero que, de alguna forma, funciona. Muy probablemente sea porque esa contagiosa batería emula los ritmos fríos y mecánicos del house de la época y con ello solidifica la plétora de disonancias en un todo coherente.

Así, “The Fly”, una proclama sónica acerca de la sobrecarga sensorial vista a través de los ojos de un insecto, se erige como un hito histórico en el desarrollo de un género que, por muy cambiante que sea, muchas veces se sorprende a sí mismo.

39

“Institutionalized” – Suicidal Tendencies

Del álbum “Suicidal Tendencies”, 1983

Melodía: 8; Instrumentalización: 7; Letra: 10; Estructura: 1; Significado histórico: 6; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 46,56.

En esta época el punk y el metal comenzaron a confundirse y ya no era fácil para los críticos ni para los escuchas diferenciarlos. Suicidal Tendencies ejemplificó ese fenómeno con esta canción, demencial hasta el punto de sonar peligrosa. Se trata de una bolsa de rabia que sirve como la firma antonomásica del rock, la retaliación de un adolescente acosado por unos padres sobreprotectores y desconfiados que pretenden internarlo en un manicomio sólo porque no entienden ni jota de su mundo y que por ello lo tildan de “mentalmente inestable”.

“Dicen que arreglarán mi cerebro
Aliviarán mi sufrimiento y mi dolor
Pero para cuando hayan arreglado mi cabeza
Mentalmente estaré muerto”

Lo que es genial de esta canción es que transmite muy bien la sensación de ahogo y persecución del protagonista con un ritmo que se acelera progresivamente hasta que explota con una batería nerviosa y el canto sobrecargado de Mike Kuir, colapsado y tensamente psiquiátrico. Ese frenético monólogo decorado por punteos irreproducibles de guitarra es la mejor muestra del rock usado como instrumento de comunicación de una generación a otra.

38

“One” – Metallica

Del álbum “… And Justice for All”, 1988

Melodía: 8; Instrumentalización: 6; Letra: 8; Estructura: 2; Significado histórico: 9; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 46,61.

Una favorita de los metaleros y que, por alguna extraña razón, es disfrutada hasta por veinteañeras de pelo con olor a bálsamo que están aprendiendo a fumar marihuana. Esto es especialmente llamativo dado su tono oscuro, casi diabólico y la desesperanza que transmite.

Pero no es sólo una joya del thrash pelucón. Es, además, una joya de la producción; con su ecualización enormemente pulida los redobles suenan como una metralleta y las cuerdas, de tan limpias que se escuchan, en un comienzo suenan angelicales.

Pero esta canción no tiene nada de eso. Su letra ominosa -basada en la novela “Johnny Got His Gun” de 1939, escrita por Dalton Trumbo- narra la historia de un soldado que ha perdido sus extremidades, su vista y todos sus sentidos, pero que teniendo su conciencia intacta, queda prisionero en su propio cuerpo.

Es con ese horror en mente que después del cuarto minuto, “One” se transforma en el ataque sónico más memorable de la banda: el doble bombo y los redobles de batería construyen una estructura poderosa, rabiosa, pero calculada que se ensangrienta con una guitarra como un cuchillo que refleja todo el virtuosismo de Kirk Hammett y que hace de esta obra un obelisco del headbanging.

Ésta es la canción que elevó a Metallica al estatus de banda de culto, adorada en distintos círculos y no sólo en el metal.

37

“Rearviewmirror” – Pearl Jam

Del álbum “Vs.”, 1993

Melodía: 8; Instrumentalización: 7; Letra: 10; Estructura: 1; Significado histórico: 7; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 46,65.

Donde muchas canciones acerca del conflicto magnifican con metáforas grandilocuentes pequeñas viscicitudes propias de la vida, ésta es crudamente sincera y realista, pues trata acerca de dejar atrás una casa con historia de violencia y abuso físico y psicológico, una temática que hasta ese momento tenía poca notoriedad en el rock:

“Supongo que fueron las golpizas las que me hicieron sabio (…)
No podía respirar
Reteniéndome
La mano en mi cara
Empujado al suelo
Enemistad calibrada
Unida por el miedo
Forzado a aguantar lo que no podía perdonar.”

Pero evidentemente lo que la hace grande no es sólo su letra, sino en especial su música, que la propulsa con especial ahínco. En particular, el pasaje “flotante” de la mitad de la canción, donde las guitarras parecen ondular, genera una atmósfera intrincada, como simbolizando el alienarse de las cosas y mirarlas desde lejos para reflexionar, para asegurarse de hacer la elección correcta. Así, el protagonista medita respecto de su pasado y le da un cierre sanador a una historia de sufrimiento:

“Vi las cosas mucho más claras una vez que tú…
Que tú estabas en mi espejo retrovisor”

Sellada por un final tremebundo de batería, ésta es una canción que nos narra una decisión que proviene de las entrañas.

36

“(I Can’t Get No) Satisfaction” – The Rolling Stones

Del álbum “Out of Our Heads”, 1965

Melodía: 7; Instrumentalización: 6; Letra: 8; Estructura: 1; Significado histórico: 10; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 46,70.

La naturaleza fresca y atemporal de esta canción es lo que la hace un clásico, aún hoy popular y cautivante. Con un riff capaz de prendar a cualquiera, una guitarra grave, vibrante, como el motor de una moto, y esa pandereta amigable es ideal para cantarla en grupo. Pero no es un blanco vacío para el karaoke.

Si bien la voz sugerente y de fuerza creciente de Jagger comienza cantando con suavidad, en el coro aumenta su convicción y ahí la ingenuidad desaparece para dar paso a una crítica: se trata de un ataque al consumismo rampante de la sociedad, portado por el poder de la publicidad insistente. El verso que mejor expresa esta diatriba reza

“Cuando estoy viendo la televisión,
Un hombre viene y me dice
Cuán blancas pueden ser mis camisas,
Pero él no puede ser un hombre
Porque no fuma los mismos cigarros que yo”.

Un clásico de clásicos, por algo “Satisfaction” es un ítem estable en los conciertos de los Rolling Stones y una favorita de los wurlizters y las radios.

35

“Heroin” – The Velvet Underground

Del álbum “The Velvet Underground & Nico”, 1967

Melodía: 7; Instrumentalización: 6; Letra: 9; Estructura: 2; Significado histórico: 8; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 46,70.

El 2004 esta canción fue elegida como la Nº 448 entre las 500 mejores de todos los tiempos por la revista Rolling Stone. El 2006, Pitchfork Media la ranqueó Nº77 entre las 200 Más Grandiosas Canciones de los 60. Al año siguiente, la revista Mental Floss la listó como una de las 10 canciones que cambiaron al mundo.

Sin duda que es una canción importante. Pero al escucharla se oye tan simple que uno no puede evitar preguntarse por qué.

Quizás sea por lo directo y amoral de su mensaje. Quizás sea por su capacidad de reproducir el trance opiaceo y la patada de placer de ese cristal blanco. O quizás sea porque le ayuda al lego a comprender el estado de extremo abandono en el que cae el consumidor tras un chute y su desinterés por el mundo:

“Porque un troncal a mi vena
Lleva a un centro en mi cabeza
Y estoy mejor que muerto
Porque cuando el tortazo comienza a fluir
Realmente ya no me importa más
Todo eso de los Jim-Jims en este pueblo
Y los políticos haciendo esos sonidos ocupados
Y todos despreciando a los demás
Y a todos los cadáveres apilados en montones”

Y aunque uno nunca haya consumido heroína, hay que concederle a esta canción que tras escucharla, dan ganas de hacerlo.

34

“Space Oddity” – David Bowie

Del álbum “Space Oddity”, 1969

Melodía: 7; Instrumentalización: 8; Letra: 9; Estructura: 1; Significado histórico: 7; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 46,74.

Es la historia del Mayor Tom, un astronauta que es súbitamente sobrecogido por el vacío del espacio exterior y se desconecta del control terrestre para iniciar un viaje hacia el infinito. Como tal, se trata de una narración que captura las fascinaciones propias de una época que vio la cima de la carrera espacial. No es, por ende, sorpresa que haya sido lanzada como single el mismo día en que el Apolo 11 alunizaba.

“Aunque me he pasado cien mil millas
Me estoy sintiendo muy quieto
Y creo que mi nave sabe en qué dirección ir
Díganle a mi esposa que la amo mucho; ella lo sabe”

Pero su temática de ciencia ficción contrasta con la música, en sí misma una balada sin muchas pretensiones, pero rodeada de efectos especiales y capas de sonido que esconden cuentas regresivas. Su hermosa poesía, que selecciona con precisión las líneas que relatan la historia y su capacidad para quedarse dando vueltas en la cabeza de quien la escucha son las razones por las cuales está en esta lista.

Todos aquellos que hayan comenzado a tocarla en guitarra sabrán a qué me refiero.

33

“Killing in the Name” – Rage Against The Machine

Del álbum “Rage Against The Machine”, 1992

Melodía: 7; Instrumentalización: 9; Letra: 9; Estructura: 1; Significado histórico: 8; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 46,75.

Esta canción es rock puro, a la vena, directo y que toma la bandera del género y la ondea como un grito de lucha. Con esa entrada majestuosa, como el sonido de un gong, implanta un sonido nuevo, una estridencia que hasta 1992 parecía haber estado reservada sólo para el metal.

Pero a pesar de su espíritu innovador, es una canción poco pretenciosa con una dinámica simple de parada y arranque que planea barrer con todo de plano. Tras repetir incansablemente “Ahora haces lo que te dijeron” el bajo, sinuoso como una serpiente, sienta el terreno para el crescendo apoteósico que logran la batería y la guitarra en conjunto, acá más parecidos a armas de fuego que a instrumentos musicales. Y así llega el momento en que Zack de la Rocha hace de esta canción el grito de guerra de la rebeldía y el inconformismo al cantar a gritos:

“¡Jódete! ¡No haré lo que me dices!”

Con la desobediencia como medio y fin, esta canción es un placer en sí mismo. Cantarla en grupo, abrazados, pegándose, coreando el “Motherfucker!!” desesperados, en medio de un éxtasis sociopolítico, logra que esta canción se haya ganado un lugar eterno en el panteón del rock.

32

“99 Luftballoons” – Nena

Del álbum “99 Luftballoons”, 1984

Melodía: 9; Instrumentalización: 7; Letra: 9; Estructura: 1; Significado histórico: 7; Cover: No; Riff: No. Puntaje: 46,77.

Esta canción está en este lugar en gran medida gracias a su letra, que es un ejercicio de imaginería contrafáctica: qué pasaría si el aparato de guerra de una nación nuclearizada confundiera 99 globos de helio con un ataque aéreo… Después de la debacle atómica, en una tierra devastada, la vocalista canta y dice

“Si tan sólo pudiera encontrar un souvenir
Para probar que el mundo estuvo aquí.
Tomo un balón de helio, pienso en ti
Y lo dejo ir…”.

La gracia de esta letra radica en la ironía que nos plantea la hipertrofia de los sistemas de defensa: si bien supuestamente diseñadas para protegernos de posibles ataques foráneos, estas maquinarias bélicas están conformadas por hombres día a día entrenados para la guerra, con tal pasión que pueden llegar a ser ellos mismos los que aprieten el gatillo por primera vez. Y si a tal exhortación a la imaginación le agregamos una banda sonora extrañamente eufórica, estibada por teclados y cambios de ritmo geniales, tenemos entonces lo que fue este inolvidable éxito de la Alemania Federal, que condensa metafóricamente, y de muy buena manera, las tensiones de la Guerra Fría.

31

“Bo Diddley” – Bo Diddley

Single, 1955

Melodía: 9; Instrumentalización: 6; Letra: 4; Estructura: 1; Significado histórico: 10; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 46,81.

Esta canción pertenece a otra época, una época en que no había estándares que cumplir ni esquemas que romper. Había un camino fecundo por delante, pero ignoto. No había lecciones de las cuales agarrarse, ni tampoco esquemas que copiar. En esa especie de selva inexplorada el rock, aparece esta canción con un ritmo de caminata instantáneamente pegajoso. Su guitarra zigzagueante y su percusión constante activan un centro cerebral profundo que te hace seguir el ritmo chasqueando los dedos, aplaudiendo o zapateando en el piso. Ese mismo ritmo, que al final se va alejando, es el que reprodujeron luego canciones como “Desire” de U2, “Faith” de George Michael o “Lust for Life” de Iggy Pop.

Por ser la primera grabación que introdujo ritmos africanos en el rock and roll directamente mediante el uso del beat hambone (un tipo de baile consistente en golpearse varias partes del cuerpo para crear un ritmo y una canción) su valor histórico es incaculable, a pesar de lo básico de su letra. Si no fuera por ella, quizás lo más rockero que escucharíamos hoy sería “When you Wish Upon a Star” de Cliff Edwards.

30

“Hoppipolla” – Sigur Rós

Del álbum “Takk…”, 2005

Melodía: 9; Instrumentalización: 9; Letra: 8; Estructura: 2; Significado histórico: 7; Cover: No; Riff: No. Puntaje: 46,86.

Esta hermosa melodía que despliega sus alas a través de un tono dramático, pero glaceado, en un crescendo de instrumentalización compleja es uno de los personajes más improbables de este ranking pues está en los límites mismos del rock. De hecho, muchos periodistas clasifican la obra de Sigur Rós dentro del exótico territorio del «post-rock», un movimiento informal que rompe con los convencionalismos del género y hace de la innovación un estándar.

He ahí una de las razones por las cuales esta canción está tan encumbrada: porque escoge instrumentos que renuevan al rock y que le dan un sonido único. Así, el metalófono que abre con humildad y luego el piano triste, que guía con melancolía la sección de percusión, son los protagonistas de esta obra que me llena de una sensación indescriptiblemente enorme. Creo que, de todo el ranking, es la que mejor expresa cómo es el universo y el mundo en que vivimos: intenso, un poco triste, un poco alegre, inesperado, inabarcable, pero cautivante.

29

“More Than This” – Roxy Music

Del álbum “Avalon”, 1982

Melodía: 9; Instrumentalización: 7; Letra: 9; Estructura: 1; Significado histórico: 7; Cover: No; Riff: No. Puntaje: 46,95.

Con una guitarra “espacial”, esta obra maestra que cierra la época de esplendor del glam rock, abre su melodía que es preciosa y triste a la vez. Algo tiene que suena reflexiva y tremendamente lúcida. De hecho, es una canción acerca de tomar conciencia del por qué de las cosas, pero de una manera mística, más bien aceptando las leyes de la naturaleza.

“Sin preocupación por el mundo
Tal vez estoy aprendiendo
Por qué el mar con la marea
No tiene un sentido a donde girar”

Lo que la hace, entonces, tan valiosa y la transforma en la canción más conocida de este grupo -tanto así que la compilación de lo mejor de Bryan Ferry y Roxy Music llevan su nombre– es que a través de las figuras de observación de la naturaleza, su producción minuciosa que emplea con gracia los sonidos y beneficios que otorgaba la tecnología del sintetizador de comienzos de los 80, y la voz desprendida, desinteresada de Bryan Ferry, es un llamado a la maduración, a darse cuenta de que el universo tiene ciclos que son indetenibles y que las cosas siguen ocurriendo aunque uno no tenga las respuestas acerca de su por qué. El momento en que uno se da cuenta, es cuando uno entiende «por qué el mar con la marea no tiene un sentido a donde girar».

28

“Common People” – Pulp

Del álbum “Different Class”, 1995

Melodía: 9; Instrumentalización: 7; Letra: 9; Estructura: 1; Significado histórico: 7; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 47,27.

Ésta es la historia de una estudiante de intercambio, hija de una familia muy acomodada, que desea conocer la realidad del bajo pueblo como una forma de turismo cultural, asignándole glamour a la pobreza, sin entender realmente las vidas de las personas con las que interactúa. Entendiendo este contexto, se hace mucho más irónico lo elegantosa de su forma de ser cantada. De hecho, la voz sobreactuada tiene el propósito de sonar distinguida, reproduciendo a ratos porciones del diálogo con esta emeperifollada mujer, que canta con cierto desdén y anomia. Pero luego, especialmente en los pasajes en que Jarvis Cocker puntualiza sus críticas a la actitud de su interlocutora, la voz se vuelve ácidamente realista.

Pero ella no lo entiende, no importa cuánto trate:

“Pero nunca lo entenderás
Porque cuando estás echada en la cama en la noche
Mirando a las cucarachas subir por la pared
Si llamaras a tu papá él podría detenerlo todo”

A fin de cuentas, es una historia tremendamente bien contada con una música sublime. Uno de los grandes valores rockeros de esta canción es cómo se va acelerando. Comienza siendo delicada, candorosa, pero luego, cuando se escucha el “Y ella sólo sonrió y tomó mi mano” aparece un slide de guitarra que, como guillotina, marca la aparición de la sección rítmica rápida y repetitiva que se va acelerando de a poco (reflejando la indignación del cantante al defender a la llamada “clase obrera” de Inglaterra) hasta que termina apoteósicamente. Es y siempre será un tesoro narrativo del brit-pop.

27

“Where the Streets Have No Name” – U2

Del álbum “The Joshua Tree”, 1987

Melodía: 9; Instrumentalización: 7; Letra: 8; Estructura: 1; Significado histórico: 9; Cover: No; Riff: No. Puntaje: 47,30.

Paul Hewson, el vocalista de U2, trabajando en los campamentos de ayuda en Etiopía en 1985, se dio cuenta de que las miles de carpas puestas una junto a la otra quedaban separadas por estrechos corredores, formando pequeñas calles que no tenían nombre. Algo muy distinto a lo que ocurría en Belfast, donde uno podía identificar la religión de alguien y cuánto dinero ganaba por el nombre de la calle en la que vivía. La unión de ambas reflexiones dio origen a esta mundialmente conocida canción.

A lo largo de sus cuatro minutos y medio, conducida por un emotivo y recursivo arpegio de guitarra, nos habla de lo necesario que es girar nuestros ojos hacia el vecino, hacia el necesitado, alejándonos de las diferencias y de los límites con que nos separamos unos de otros. En el fondo, nos invita a desprendernos de la vanidad de saber el nombre de la calle en que vivimos y acercarnos en conjunto a un lugar de justicia y equidad, un lugar donde las calles no tienen nombre.

Era imposible que tal acierto creativo y artístico recibiera bajas puntuaciones. No me sorprendió para nada finalmente encontrarla en este puesto.

26

“Run to the Hills” – Iron Maiden

Del álbum “The Number of the Beast”, 1982

Melodía: 8; Instrumentalización: 8; Letra: 8; Estructura: 2; Significado histórico: 7; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 47,35.

Un martilleo lento e imborrable de batería, inusual en el heavy metal, es la introducción para esta canción en que se relata la conquista del oeste estadounidense desde el punto de vista de un nativo norteamericano y, luego, del de un soldado del ejército conquistador. Dentro de la línea de Iron Maiden de canciones de contenido histórico, ésta narra la desesperación de un pueblo acorralado y la obcecación bélica de una civilización imperialista cuya vanguardia estaba plagada de criminales y, en ese sentido, es un testamento a las injusticias legendarias que quedan sepultadas por el pavimento de la transculturación.

Un recuerdo que nos queda en esta canción galopante, con la guitarra magistral de Adrian Smith, envolvente, compleja e irreproducible, y en la que Bruce Dickinson nos demuestra todo el rango que puede alcanzar, pasando de las notas más agudas a las más graves con total maestría.

25

“I Will Survive” – Gloria Gaynor

Del álbum “Love Tracks”, 1978

Melodía: 8; Instrumentalización: 7; Letra: 8; Estructura: 1; Significado histórico: 9; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 47,62.

Muchas, muchas, muchas personas han cantado este himno de fines de la época disco con un vaso en la mano y la frente mirando al techo pensando en alguna persona en particular y han volcado todo su odio en ella. Favorita de los karaokes –y por una buena razón– esta canción de ritmo cortante y repetitivo marcado por el hi-hat, flanqueado por bronces que hacen las veces de coro, está tan bien hecha que es imposible no bailarla o corearla, especialmente la parte que dice:

“Sigue ahora, sal por la puerta
Sólo devuélvete
(porque) Ya no eres bienvenido
¿No eras tú quien intentó herirme con un adiós?
¿Crees que me derrumbaría?
¿Creíste que yacería y moriría?
On no, yo no. Yo sobreviviré.”

En general posee todos los elementos clásicos y buscados del hit disco: una estructura de sonidos cortos en la sección rítmica, un juego coordinado de vientos, una escala armónica y un espíritu innegablemente bailable. Pero se distingue de sobremanera de otras: sólo el teclado y la voz se extienden creando el contrapunto propio de la música bailable setentera. Con ello y con el poder que porta la interpretación de Gaynor, desde la introducción telenovelesca del piano esta canción logra impactar rescatando desde dentro del escucha ese afán de revanchismo indecible que todos tenemos ocultos, y ése es su gran valor: que genera mucha, mucha empatía.

24

“Paint It Black” – The Rolling Stones

Del álbum “Aftermath”, 1966

Melodía: 7; Instrumentalización: 7; Letra: 8; Estructura: 1; Significado histórico: 10; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 47,71.

La desolada apertura de la guitarra vaquera nos dice, desde el primer momento, que lo que estamos por escuchar es una oda a la fascinación por lo oscuro tan bien hecha que podríamos decir que presagió la llegada de los movimientos dark con 30 años de anticipación. Con sus toques étnicos españolados otorgados por las castañuelas galopantes y el punteo de guitarra orientaloide y que es acompañado muy apropiadamente por un sitar con vibrato, con el canto desafiante de Jagger y luego su murmullo rítmico, “Paint It Black” es una canción que llegó al catálogo de los Rolling Stones para quedarse para siempre.

Esta canción, tan asociada con la guerra de Vietnam que ha sido utilizada en al menos seis videojuegos bélicos, exuda potencia. Y por eso no es de extrañarse que tenga más de 100 versiones registradas por otros artistas, resaltando por sí misma la adaptación al funk que hicieron Eric Burdon y War.

Después de todo, es natural que otros músicos gocen reinterpretando su métrica, su regularidad y esa sensación cinética que imprime a quien la escucha. Porque no es una canción cualquiera; es el resultado de la creatividad bien encausada de uno de los grupos más longevos de la historia del rock en un período extremadamente prolífero y jovial de su carrera.

23

“Enjoy the Silence” – Depeche Mode

Del álbum “Violator”, 1990

Melodía: 8; Instrumentalización: 9; Letra: 8; Estructura: 2; Significado histórico: 7; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 47,73.

Ésta es la melancolía hecha canción. Así de simple.

Con los años, Depeche Mode se convirtió en un experto en la mezcla de los sonidos sintéticos de la música techno con las tradiciones del rock más clásico. Con otras canciones como “Personal Jesus” o “Suffer Well” lograron resultados más novedosos, pero es en “Enjoy the Silence” donde logran la perfección en la captura de un sentimiento.

El riff de la guitarra vaquera, como de country, se mezcla de manera casi oculta con la sección rítmica de la canción, que es absolutamente electrónica. Y si bien la melodía a veces es llevada por la guitarra, y otras por el teclado, los instrumentos se turnan perfectamente para lograr una canción coronada con una poesía quizás un poco torpe, pero potentemente visual, casi mortuoria:

“Todo lo que siempre quise
Todo lo que siempre necesité
Está aquí en mis brazos
Las palabras son muy innecesarias
Sólo pueden hacer daño”

Con su feeling de synthpop melódico exquisito, delicioso, y su balance perfecto de elementos emocionales y cerebrales, esta canción puede ser catalogada sin pudor como una obra maestra.

22

“Blue Line Swinger” – Yo La Tengo

Del álbum “Electr-o-Pura”, 1995

Melodía: 9; Instrumentalización: 10; Letra: 8; Estructura: 3; Significado histórico: 5; Cover: No; Riff: No. Puntaje: 47,87.

Como una de las canciones más potentes y más conmovedoras surgidas de la escena indie, “Blue Line Swinger” es quizás la mejor carta de presentación de este trío de New Jersey. Un órgano de cuatro compases que forma la estructura de base sienta un comienzo exploratorio, casi timorato, para esta composición que se va armando de a poco a través de redobles inseguros de batería, como los pasos de un bebé que se van cosechando día a día. Desde la estridencia hacia la armonía, es un viaje por el sentimiento. Por mucho sentimiento.

Con sus guitarras alocadas que de a poco van agarrando ritmo, es como el despuntar del alba: a pesar de que hay un momento en que sale el sol, el día ya ha comenzado antes de eso. Es lo mismo con esta canción: cuando se libera el ritmo, la sección energizada ya ha comenzado hace rato.

“Tú, tú no hablarás de lo que vemos cuando no hay luces
Y yo estoy deseoso de sostener tu mano mientras estás perdida,
Mientras estás llena de duda
Camina por millas,
Por tus propios cabos sueltos
Te encontraré ahí
Te encontraré ahí”

La letra es una promesa, apenas sugerente, suficiente para introducirnos en una atmósfera envolvente. Todo el prólogo es absolutamente necesario, es el preámbulo, es el momento en que uno se sumerge, es la inmersión en el mundo de las notas destempladas y estrepitosas que esconden sentimientos profundos.

Es por todo esto que se trata de la canción noise mejor ubicada en este ranking y, quizás, la más hermosa que existe.

21

“Do the Evolution” – Pearl Jam

Del álbum “Yield”, 1998

Melodía: 9; Instrumentalización: 7; Letra: 9; Estructura: 2; Significado histórico: 7; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 48,00.

“Estoy adelante. Soy el Hombre.
Soy el primer mamífero en usar pantalones.
Estoy en paz con mi lujuria.
Puedo matar porque en Dios confío.
Es la evolución, muñeca.”

Un guitarreo flamante al que se le une una segunda estridencia calculada son la vanguardia de este single que a medidados de 1998 vino a demostrar que Pearl Jam siempre retuvo su conocida facilidad para impactar a las masas. Esta vez se trataba de una canción que retrata al ser humano como un depredador irrefrenable que, sumido en la hipocresía de negar sus raíces animales, justifica todo abuso de su entorno y de sus congéneres.

Lo que la hace grande es que tiene todos los elementos clásicos de una gran canción rockera y, más encima, posee el sabor distintivo de las canciones de Pearl Jam, incluyendo los gritos viscerales de Eddie Vedder, los riffs distintivos de Mike McReady y esa interpretación prodigiosa de la música. Además, tiene un ritmo endemoniadamente bueno.

20

“The Life of Riley” – The Lightning Seeds

Del álbum “Sense”, 1992

Melodía: 10; Instrumentalización: 6; Letra: 9; Estructura: 1; Significado histórico: 7; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 48,45.

Cuando nació su hijo, Ian Broudie –el vocalista de The Lightning Seeds­– le escribió esta canción como regalo para la vida. Con ese trasfondo, la letra se lee con otra óptica:

“Perdido en la Vía Láctea,
Sonríe al cielo vacío y espera
El momento en que quizás choquen un millón de oportunidades
Seré la luz guía (…)
Así es que aquí está tu vida,
Encontraremos un camino
Estamos navegando a ciegas
Pero es seguro que nada es seguro”

Es un llamado a aceptar el azar del universo y a abrazarlo como filosofía de vida. A fin de cuentas, el mundo es más grande que uno mismo y en la existencia no se puede proteger de todo a quienes uno ama, pero sí puede uno acompañar a quienes están iniciando este camino, plagado de sorpresas, reveses y casualidades.

Pero lo que hace a esta canción merecedora de puntaje perfecto en la categoría de melodía es que su letra es entregada de manera perfectamente optimista por una sucesión de notas alegre, edificante y sonrisal. La guitarra acústica se halla bien repartida y trabaja codo a codo con los sonidos sintéticos de manera tal que esta canción se hace tan liviana que incluso levanta el espíritu hasta ese punto exacto en que chocarán un millón de oportunidades.

19

“Jailhouse Rock” – Elvis Presley

Single, 1957

Melodía: 9; Instrumentalización: 7; Letra: 4; Estructura: 2; Significado histórico: 10; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 48,73.

Ésta es una canción que no necesita presentación.

Muestra el poder de Elvis Presley para hacer de una serie de sonidos un éxito. Y si bien el vigor de esta canción radica en el hecho de que está perfectamente bien escrita, está mucho mejor cantada. Leiber y Stoller repartieron con justicia y tino el canto con el arpegio swingero del contrabajo y las intromisiones calculadas del piano. Pero no cualquiera podría haberle impreso el poder que le da el rey del rock.

Contiene la historia de un concierto recreativo en una cárcel y que los presos podrían haber aprovechado para escapar; pero deciden quedarse para disfrutar del baile. Lo más extraño es cómo incluye un diálogo que tiene claros tenores de homosexualidad presidaria:

“El número cuarenta y siete le dijo al número tres
Eres el más adorable pajarillo que he visto alguna vez
De seguro estaría encantando con tu compañía
Vamos y baila el Rock de la Cárcel conmigo”

Con su uso perfecto de la estructura estrofa-coro-estrofa con un intermedio sacado de la flor y nata del rock, esta canción es sin duda un hito en la historia del género. De hecho, aún hoy en día anima cualquier fiesta, matrimonio o, incluso, funeral.

18

“The Spirit of Radio” – Rush

Del álbum “Permanent Waves”, 1980

Melodía: 8; Instrumentalización: 10; Letra: 8; Estructura: 1; Significado histórico: 7; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 48,74.

Esta canción bien podría formar una trilogía con «Radio Ga-Ga» de Queen y «Do You Remember Rock’N’Roll Radio?» de los Ramones como paladines de la radiodifusión en tanto democratizadora de la música y vehículo de la imaginación colectiva. En particular, esta canción declara que la música puede ser una maravillosa forma de expresión y que puede mejorar la vida si es hecha por las razones correctas. Pero al mismo tiempo afirma que la industria discográfica puede arruinar este arte al inculcar en las personas el deseo de hacer música solamente por lucro. Por eso dice «Y las palabras de las ganancias fueron escritas en el salón del estudio (…) y resuenan con los sonidos de los vendedores». Pero ofrece un camino de redención: nos dice que las cosas no tienen por qué ser así de materialistas al cantar Lee «Es sólo un asunto de tu honestidad», lo cual parece querer decir que depende de los músicos el escoger aquellas buenas razones.

Pero no es sólo el mensaje. Lo que ubica a esta canción en el puesto n°18 es por lejos su mérito técnico y su capacidad para hacer volar nuestras mentes con arpegios de guitarra que parecían imposibles de combinar en la realidad junto con la exquisita batería de Neil Peart que lidera cambios de ritmos que rompen con las restricciones del rock. Y si bien toda la discografía de Rush es una lección de virtuosismo, es en «The Spirit of Radio» en donde se cristaliza una melodía pegajosa con un espíritu melodramático que le da a esa excelencia interpretativa un sabor innegablemente imperecedero.

Es como la receta de una buena cerveza con sus ingredientes combinados en la proporción justa a la temperatura exacta.

17

“Innuendo” – Queen

Del álbum “Innuendo”, 1991

Melodía: 8; Instrumentalización: 9; Letra: 10; Estructura: 2; Significado histórico: 6; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 49,04.

Esta canción fue el sello final de una banda siempre grandiosa. Quizás la más grandiosa de la historia. Después de haber demostrado durante quince años su maestría para hacer discos y canciones, Queen se ganó el derecho de explorar nuevos terrenos musicales, de apuntar a construir un legado histórico y de cuestionar, incluso, los fundamentos ideológicos de la vida. Y justamente eso es lo que es “Innuendo”: un poema de existencialismo puro compuesto por dos poderosos ataques sónicos de naturaleza bombástica. En medio de ellos, un interludio étnico de imaginería flamenca hace a esta composición aún más entretenida de lo que ya es en un comienzo, gracias a la guitarra de Steve Howe, hermosamente tocada.

Nada es baladí en esta canción. Si bien la música es de espíritu colosal, por otro lado su letra, un llamado demandante hacia los poderes de la vida, es épica:

“Si hay un Dios o cualquier tipo de justicia bajo el cielo
Si hay un punto, si hay una razón para vivir o morir
Si hay una respuesta a las preguntas que nos sentimos compelidos a hacer
Mostráos, destruid nuestros miedos, soltad vuestra máscara”

La grandiosidad de esta canción se hace aún más evidente si tomamos en cuenta que para cuando la banda la compuso, Freddie Mercury estaba ya en una etapa avanzada de su lucha contra el SIDA y que, por ende, confrontaba una pronta llegada de la muerte.

Es el trasfondo de su composición y grabación, es el poder y la pasión que porta, es la guitarra metalera del maestro Brian May, es su letra y, a fin de cuentas, todos y cada uno de los componentes de esta canción lo que la convierten en una obra cumbre del rock que hubiese sido imposible de quedar ausente de un ranking como éste.

16

“Gates of Steel” – Devo

Del álbum “Freedom of Choice”, 1980

Melodía: 9; Instrumentalización: 9; Letra: 9; Estructura: 2; Significado histórico: 6; Cover: No; Riff: No. Puntaje: 49,34.

Si el teclado puede realmente portar fuerza y energizar una canción, queda demostrado en esta pista que Devo utiliza, consecuente con su tesis de que el consumismo y la influencia mediática han hecho de-evolucionar al ser humano, para mostrar cómo la humanidad supuestamente abraza la lógica pero es, por naturaleza, irracional e impulsiva. Mothersbaugh recalca con ironía que las potencialidades del ser humano siguen proviniendo, después de todo, de su herencia genética y, por ende, de sus conductas como antropoide:

“El mono valora su cola
está pegado a ella
Repite hasta que falla
Mitad estúpido, mitad un dios”

El arreglo pulido y estilizado funde el ritmo robótico con un riff orgánico de guitarra para crear una atmósfera que hace ver a este llamado a la conciencia como urgente y vital. Por otro lado los versos, compuestos de una única nota alta sostenida, en conjunto con el coro utilizan una figura descendente para generar una hipnótica atractividad, haciendo a esta canción irresistible para cantar cuando comienza a sonar.

Así, con su fusión de instrumentalizaciones rivales y su poesía antropologizada, ésta es, quizás, la canción más crípticamente hermosa que nació del new wave a comienzos de los 80.

15

“Such Great Heights” – The Postal Service

Del álbum “Give Up”, 2003

Melodía: 10; Instrumentalización: 9; Letra: 10; Estructura: 1; Significado histórico: 6; Cover: No; Riff: No. Puntaje: 49,45.

Lisa y llanamente, una Venus de Milo del rock.

Ésta es una de esas raras ocasiones en que una canción de amor puro e inocente evoluciona para transformarse en un tesoro del arte. Desde los llamativos sones en estéro que juegan al comienzo de sus más de cuatro minutos y que captan la atención por una razón inicialmente desconocida para uno, esta canción es deliciosa. Los instrumentos, partiendo por el teclado que parace un zumbido y que se transforma en un fondo estable, se van sumando de a poco para tejer una atmósfera astronáutica que, por muy paradójico que suene, es perfecta para contemplar la magnificencia de una día despejado y celebrar el estar con el ser amado. Es como si le permitiera a uno ver el mundo desde las alturas. De ahí su título.

Como muchas de las canciones de esta lista, en ésta existe una coincidencia mertitoria entre letra y música de tal modo que una parece haber sido compuesta pensando en la otra. Pero en este caso la imaginería de la letra es alucinante:

“Estoy pensando que es una señal
Que las manchas de nuestros ojos
Sean reflejos exactos y que cuando nos besamos
Estén perfectamente alineadas.
Y tengo que especular
Que Dios mismo nos hizo
Moldes correspondientes
Como piezas de rompecabezas de la arcilla.
Sí, puede parecer una exageración
Pero ideas como ésta atrapan
Mi agitada cabeza cuando estás lejos,
Cuando te extraño a muerte.
Cuando estés ahí afuera
En la carretera
Durante varias semanas de funciones
Y cuando busques en la radio
Espero que esta canción te guíe a casa.”

Aquí melodía y letra tienen todo el mérito de capturar casi a la perfección la sensación de estar enamorado y de sentir que uno y su ser amado son únicos en el mundo, que no necesitan a nadie más, que no pertenecen a este mundo y que flotan por sobre él.

«Y nos verán saludando
Desde tan grandiosas alturas
«Bajad ahora», dirán
Pero todo se ve perfecto
Desde la distancia,
«Bajad ahora»
Pero nos quedaremos…»

Es, a fin de cuentas, la felicidad plasmada en una canción, la expresión de no querer estar en otra parte más que con la media naranja. Tal vez sea la más hermosa canción de amor alguna vez escrita.

14

“Surrender” – Cheap Trick

Del álbum “Heaven Tonight”, 1978

Melodía: 10; Instrumentalización: 8; Letra: 7; Estructura: 1; Significado histórico: 7; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 49,52.

Cheap Trick condensó en su momento lo mejor del power pop y la canción que más lo representa es “Surrender”. Con una mezcla de rock y los sonidos artificiales del pop, más una estructura genial que se hace infecciosamente pegajosa, no es una exageración decir que está construida con el gusto y dedicación de un huevo Fabergé. Casi se podría pensar que sirvió de plano para todas las canciones del género, incluídas “Ready to Go” de Republica, “No One Else” de Weezer o “Praise Chorus” de Jimmy Eat World.

¿Y cómo podría no haber calado hondo en el imaginario colectivo del rock, si tiene una letra que de tan picaresca le abre los ojos a toda una generación? Se trata de un chico, hijo de la explosión demográfica post-Segunda Guerra Mundial, que descubre que sus padres esconden un pasado desconocidamente alocado y que al final son más cool de lo que él mismo ha soñado ser. Lo más genial, quizás, es el final de la canción, cuando el narrador cuenta:

“Cuando desperté, Mamá y Papá están rodando en el sofá.
Dándose vuelta, revolcándose, sacaron mis discos de Kiss.”

Pero el coro es tan perfecto que la palabra “genial” se hace corta. Cada uno termina con un redoble energizante y después de él, la siguiente estrofa aparece con más poder y optimismo todavía, formando una progresión contagiosa a lo largo de la canción.

Sin embargo, la versión definitiva de esta canción, y que es la que todos deberían escuchar, es la que tocaron en vivo el ’78 en Tokio y que quedó registrada en el disco “At Budokan”. Ahí esta canción se transforma en la mejor elección para cantar en grupo en un auto con la radio a todo volumen.

13

“Computer Love” – Kraftwerk

Del álbum “Computer World” , 1981

Melodía: 8; Instrumentalización: 10; Letra: 8; Estructura: 2; Significado histórico: 7; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 49,65.

Como canción acerca del amor en un mundo plagado de computadores, es un oráculo de un futuro que no tardaría en llegar dos décadas después, cuando las relaciones mediadas por una pantalla son cada día más frecuentes y obsesionan a muchos.

Quizás esta canción por muchos no sea considerada como la mejor de Kraftwerk (“Radio-activity” y “Autobahn” sin duda son las favoritas del público) y ello le reste importancia histórica, pero no es de extrañarse. El valor de esta canción es principalmente musical pues logra que los sonidos comuniquen por sí mismos un mensaje. Con un pulso constante se refleja la naturaleza del trabajo repetitivo y confiable de los computadores y, con ello, su falta de alma. El riff, cancino y nostálgico, hace otro tanto para comunicar la sensación de alienación del hombre moderno, y tanto le gustó a Coldplay que le solicitó al reclusivo cuarteto alemán su autorización para samplearlo y usarlo en su canción “Talk” (después de una prolongada espera y mucho nerviosismo, recibieron una carta de ellos de una sola hoja, que contenía únicamente la palabra “Sí”).

De este modo, es la instrumentalización de “Computer Love” tan cuidadosamente elegida que logra un balance armonioso, y ello es lo que la hace hermosa. No hay un solo instrumento “real” en la canción pero aún así se las arregla para sonar orgánica y melancólica. Con esa mutación de sonidos muestra lo versátil de una forma de rock que se hacía casi impensable antes.

Nunca los computadores habían sido tan emotivos como en esta canción. Descubre el alma que está encerrada en una máquina.

12

“Just Like Heaven” – The Cure

Del álbum “Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me”, 1987

Melodía: 8; Instrumentalización: 10; Letra: 8; Estructura: 2; Significado histórico: 8; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 50,10.

Ésta, la banda sonora de un sueño justo antes de despertar, podría perfectamente ser considerada la mejor canción pop de la historia. Con su guitarra acústica vaporosa, el punteo armonioso y un piano etéreo que conforma un fondo de ensoñación, su instrumentalización se vuelve perfecta para narrar la historia de los amantes que, sumidos en el trance del amor, caen rendidos al borde de un risco. Cuando él despierta al día siguiente, se da cuenta de que ella se ha precipitado a las profundidades. Pero a los escuchas nunca se nos dice si fue por su voluntad o no. Sólo su incomparable pero triste melodía queda para darnos la sensación de que a veces los abismos existen dentro nuestro.

Mohína, sombría, ausente, nostálgica… pero al mismo tiempo inasible, danzarina, sensual, alegre, esta canción encierra una bipolaridad que de manera inexplicable evita ser una paradoja. Por el contrario, es la unión de dos extremos irreconciliables que resultaron en una de las canciones más emotivas del rock.

11

“Dust in the Wind” – Kansas

Del álbum “Point of Know Return”, 1977

Melodía: 7; Instrumentalización: 8; Letra: 10; Estructura: 2; Significado histórico: 9; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 50,21.

Si bien “Innuendo” es una lección innegable de existencialismo, “Dust in the Wind” posee la misma inspiración, pero observa la vida de una manera mucho más dócil y humilde, pasada por el cedazo de la contemplación oriental. De hecho, a través de su letra nos recuerda lo insignificante que somos en el gran esquema del universo y cómo nuestras vidas son cortas y frágiles, al punto en que nos vemos a nosotros mismos como polvo que puede ser barrido de la faz del mundo. Es un llamado a aceptar estóicamente la fugacidad de la vida:

“No te aferres; nada dura para siempre salvo la tierra y el cielo
Se escabulle, y ni todo tu dinero podrá otro minuto comprar”

La guitarra arpegiada la hace una cantiga propia de fogatas pero, al mismo tiempo, imposible de interpretar por cualquiera que no la haya practicado durante meses. Y luego el solo de viola, memorable hasta el punto que toca los centros mismos de emoción en el cerebro, la hace ya irrepetible e imposible de confundir.

Nada en esta canción es imitable.

10

“Stand By Me” – Ben E. King

Del álbum “Don’t Play that Song”, 1961

Melodía: 9; Instrumentalización: 6; Letra: 9; Estructura: 1; Significado histórico: 8; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 50,26.

Los acordes del bajo que suenan al comienzo de esta canción hacen que desaparezcan la frivolidad y la desesperanza de la audiencia; los reemplaza por un profundo sentimiento de unión. Ésa es magia. Y es magia encerrada en esta canción que por más de cuatro décadas ha sido una de las marcas más reconocidas del soul. En su letra reúne los elementos universales de la amistad y es por la fusión perfecta que logra con lo emotivo de sonido –emanado de los coros gospel y del sentimiento del negro spiritual, adornado con conmovedores violines– que se ha transformado con el tiempo en el mensaje por antonomasia del apoyo y la amistad incondicional. Sin duda es una de las mejores demostraciones del genio de la dupla creadora de Jerry Leiber y Mike Stoller, que la compusieron junto a King. Por eso no es de extrañarse que John Lennon, Otis Redding, Maurice White, Pennywise e incluso alguien tan lejano a la tradición de la balada como Lemmy Kilminster hayan hecho sus propias versiones de este clásico que incluso le dio su nombre a una película de Rob Reiner basada en un cuento de Stephen King.

Son muchos los nombres, son muchas las personas, son muchas las almas que han sido tocadas por esta canción. Y no temo equivocarme al afirmar que hay muchas que no han nacido todavía que también lo serán.

9

“A Day in the Life” – The Beatles

Del álbum “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”, 1967

Melodía: 7; Instrumentalización: 10; Letra: 8; Estructura: 2; Significado histórico: 10; Cover: No; Riff: No. Puntaje: 50,42.

¿Qué se puede decir de la canción más comentada del álbum que es considerado una obra maestra grabado por quienes son alabados como el mejor grupo de rock de la historia?

Quizás nada. Y quizás decir cualquier cosa acerca de ella sea una patudez. Paul Grushkin, en su libro “Rockin’ Down the Highway”llamó a la canción “uno de los trabajos más ambiciosos, influyentes e innovadores en la historia de la música pop”. En “From Craft to Art: Formal Structure in the Music of the Beatles”, se la describe como una que “durando sólo cuatro minutos y cuarenta y cinco segundos, debe estar seguramente entre las más cortas piezas épicas del rock”.

Pero la pregunta es por qué. ¿Por qué es considerada universalmente una obra maestra?

La respuesta está en cada una de sus partes y cada una de sus propiedades: es intensa y sobrecargada, desesperante a ratos, pero siempre entretenida, casi cómica; es rapsódica, mas a pesar de tener cuatro secciones, éstas no están aisladas. No son cuatro canciones en una; es realmente una sola canción esquizofrénica que aún así se las arregla para disfrutar de un innegable aire de unicidad. De hecho, quizás cada parte por sí sola no hubiese sido tan relevante como el resultado de tenerlas a todas fundidas.

Con su letra basada en titulares de los diarios de la época escogidos al azar Lennon y McCartney lograron crear un texto de lectura abierta que parece aceptar incontables interpretaciones y se vuelve un ejemplo del ejercicio dadaísta en todo su esplendor. Es así, con su intrumentalización orquestada, barroca, sobrecargada, que se vuelve una joya de la psicodelia de la época y que estalla en el vértigo de un gran final que, en una contradicción semántica, abrió un nuevo período para la historia de la música.

8

“Piano Man” – Billy Joel

Del álbum “Piano Man”, 1973

Melodía: 8; Instrumentalización: 8; Letra: 10; Estructura: 1; Significado histórico: 8; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 50,57.

Ésta es la alabanza de los olvidados y de los perdedores, de aquellos a quienes la promesa del éxito dejó plantados en una ciudad que no tiene tiempo para pensar en ellos. El pianista, protagonista de la historia y que le da su nombre a la canción, logra una melodía de tan hermosa tristeza que apresa al escucha reticente desde el momento mismo de su introducción exploratoria. Seductora, juguetona e inocentemente infantil, cuando se la escucha, se sabe que a continuación a uno se le estrujará el corazón.

Y así sucede, pues nos narra con las teclas y con la letra la historia del desconsuelo oculto en la sonrisa de los parroquianos de un bar extraviado. Donde mejor se refleja esta amargura es en el pasaje en que uno de los personajes, tras una broma rápida, inmediatamente cambia a un lúgubre seriedad y dice

“«Bill, creo que esto me está matando»
Mientras la sonrisa huye de su rostro
«Pues estoy seguro de que podría ser una estrella de cine
Si pudiera salir de este lugar»»

El pianista, impertérrito e inamovible, apacigua la melancolía que los presentes tienen producto de sus fracasos para, como dice la letra, “olvidar la vida un rato”.

Es por eso que esta canción se ubica en el octavo lugar del ranking, porque muestra el lado emocional del rock y porque todos sus elementos se hallan equilibrados con gran oficio. De hecho, el piano y armónica están en perfecto matrimonio y lo más llamativo es que mientras que no es técnicamente muy demandante, es sólo para multi-instrumentistas, pues en vivo Billy Joel toca ambos instrumentos.

7

“Don’t Stop Me Now” – Queen

Del álbum “Jazz”, 1979

Melodía: 10; Instrumentalización: 8; Letra: 7; Estructura: 2; Significado histórico: 8; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 51,43.

En 2005, esta canción fue elegida como la “Canción más Grandiosa de la Historia para Manejar” por los televidentes del programa Top Gear de la BBC y no es de extrañarse. Con su ritmo dinámico y la batería fulminante de Roger Taylor, ésta es la cinética hecha canción. Si bien muchas canciones de Queen poseen una dósis de grandiosidad, ésta logra una ostentosa magnificencia apenas rivalizada por otras que conozco. Y ponerle atención a la letra, que juega con la imaginería cosmonáutica, no es más que echarle gasolina al fuego que enciende el ritmo:

“Soy una estrella fugaz saltando a través del cielo
Como un tigre desafiando la Ley de Gravedad (…)
Estoy ardiendo por el cielo, sí
A doscientos grados,
Por eso es que me llaman Sr. Farhenheit
Estoy viajando a la velocidad de la luz (…)
Soy una nave de cohete camino a Marte
En un curso de colisión
Soy un satélite, estoy fuera de control.”

Quizás sea el poder visual e incendiario de estas metáforas que logran hacerlo sentirse a uno “fuera de este mundo” y la combinación con la pandereta buena onda, o el que después del puente rítmico venga la guitarra impecable de Brian May, que suena como si fuera el maullido de un animal mágico, ambas cosas o todas las demás, pero esta canción es sencillamente ideal para manejar a toda velocidad.

Es por todos su elementos, pero principalmente por su melodía adrenérgica perfectamente construida e interpretada, que esta canción se encuentra en el 7º lugar de este ranking, una posición cabalística que los numerólogos bien podrían celebrar.

6

“Hallowed Be Thy Name” – Iron Maiden

Del álbum “The Number of the Beast”, 1982

Melodía: 9; Instrumentalización: 8; Letra: 9; Estructura: 2; Significado histórico: 8; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 51,55.

Ésta es, quizás, la obra maestra del heavy metal. Pletórica de energía y poder, tras una introducción macabra a más no poder que en 20 campanazos nos presenta la tragedia de un condenado a muerte que en pocas horas será colgado en el cadalso

Si bien el comienzo es lo suficientemente espeluznante por sí mismo, la canción comienza realmente después del minuto que dura esa oscura introducción, cuando Bruce Dickinson hace gala de su registro vocal con un “The sands of time for me are running looooow” sostenido. Entonces, lo que parecía una balada lúgubre y medio satánica se transforma en una caminata grupal de metal que a través de una dinámica de parada y arranque excelentemente bien ejecutada nos introduce en las cavilaciones del desdichado:

“Mientras los guardias marchan conmigo hacia el patio
Alguien dice desde una celda «Dios esté contigo»
Si hay un Dios, ¿entonces por qué me ha dejado morir?»

Se hace evidente la visión negra, pesimista y desesperanzada de todo un sector que no necesariamente cree en la vida después de la muerte ni en la transmutación del alma. Lo que importa es el aquí y el ahora. Ése es el punto de vista materialista e inmediatista de los metaleros y de la sociedad de los 80s.

Pero cuando parece que la canción se va a terminar, en el minuto 4:32 agarra un nuevo aire y se transforma en un ataque sónico al estilo de Iron Maiden con todos los elementos prototípicos del género: platillos estridentes, un ritmo de bajo estable, punteos indescifrables de guitarra y la celeridad de revuelta propia del chasconeo metalero.

Con el slide chillón de guitarra, como el sonido de un auto pasando a toda velocidad, la guitarra maestra de Dave Murray y los redobles del fallecido Clive Burr logran hacer de ésta una obra que representa magistralmente el poder del heavy metal. Y, aún más, su temática mortuoria e irreverente le da a “Hallowed Be Thy Name” –que fue nombrada la mejor canción de todos los tiempos por Digital Dream Door en “Las 100 Mejores Canciones del Metal”– el rol de ser el cierre perfecto para un álbum diabólico históricamente inigualable y el príncipe de las canciones del metal.

5

“Across the Universe” – The Beatles

Del álbum compilatorio “No One’s Gonna Change Our World”, 1969

Melodía: 8; Instrumentalización: 7; Letra: 10; Estructura: 2; Significado histórico: 9; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 51,84.

Esta canción de inspiración oriental escrita por John Lennon que hoy asociamos al póstumo disco beatlesco “Let It Be”, realmente fue editada a fines de 1969 en un álbum a beneficio del Fondo Mundial para la Naturaleza y desde entonces se ha transformado en una balada de innegable reconocimiento general, al punto de que grandes cantantes como Cyndi Lauper, Fiona Apple, Rufus Wainwright y David Bowie han optado por hacer versiones de ella.

A pesar de su aparente simplicidad de tonada folk, es el resultado de un meticuloso proceso de re-elaboración que tomó ocho sesiones de grabación a lo largo de dos años. Ese aspecto oculta su capacidad para casi abrir la conciencia de la humanidad. Su guitarra comienza con aparente esfuerzo pero poco a poco va fluyendo, haciéndose el prólogo de un viaje a través de la unificación de la identidad con el universo. Con su letra, actúa casi inocentemente como un tema acerca de la trascendencia desde la felicidad:

“Amor ilimitado imperecedero que brilla alrededor mío como un millón de soles
Me llama una y otra vez a través del universo”

Luego viene ese famoso coro en sánscrito, “Jai guru deva” coronado con la sílaba mística “Om”, el mantra por excelencia que teóricamente es el sonido del universo. Con él, cantarla es uno de los accesos más populares y fáciles que tenemos los occidentales a la cultura de la meditación yogi. De su melodía simple el rasgueo es su vehículo y la sinfonía de fondo, el paisaje de un viaje que dura escasos minutos, pero en un nivel superior de conciencia toda una eternidad. Es como una declaración de transformarse en un canal para las manifestaciones de la vida en su ruta hacia el universo.

Con todo ello, con todos sus elementos y la humildad de su melodía pero su recursiva producción demostró que el rock no es sólo un género de moda, sino que además puede originar hermosas canciones acerca de la trascendencia. Es, lisa y llanamente, la mejor canción mística que existe y podría resignificar con mucha propiedad el ocaso de la vida humana.

4

“Johnny B. Goode” – Chuck Berry

Single, 1958

Melodía: 9; Instrumentalización: 9; Letra: 5; Estructura: 2; Significado histórico: 10; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 52,04.

Acá es donde comenzó todo. Si bien “Rock around the Clock” fue el primer rock’n roll de la historia, ésta es la canción que le imprimió al género su cariz entretenido, pícaro, llamativo y diferente. Tanto lo pegajoso de su riff como el sabor a swing acelerado de su ritmo hacen una combinación explosiva que hace que desees que no se termine nunca y que anima todos los salones de baile.

No es de extrañarse que haya sido la canción que escogió Marty McFly para darle a los graduados de 1955 una probadita de cómo sería la música del mañana en “Volver al Futuro” o que haya sido reinterpretada por AC/DC, los Beatles, Jimi Hendrix, Elton John, Judas Priest, Elvis Presley, Prince, los Sex Pistols, Led Zeppelin y muchos otros grandes de la música. Ello porque esta canción narra la historia de un chico pobre de New Orleans que posee el don de tocar la guitarra excelsamente y que es en parte autobiográfica (Chuck Berry nació en una calle llamada “Goode”). En el fondo, es al mismo tiempo un rock endemoniadamente bueno y un llamado a las armas para todos aquellos que deseen recorrer el camino de la música. Así, con ese magistral corte al minuto y medio en donde la batería y la guitarra acumulan la música para “soltarla” más adelante, y con su exacta combinación de los sonidos que dominaban la música de mediados del siglo XX, incluyendo los arpegios de piano, quizás nunca será superada.

3

“In My Life” – The Beatles

Del álbum “Rubber Soul”, 1965

Melodía: 9; Instrumentalización: 7; Letra: 9; Estructura: 2; Significado histórico: 10; Cover: No; Riff: No. Puntaje: 52,50.

Esta famosa composición de hermosa melodía e instrumentalización inspiradora es una de las obras más reconocidas del cuarteto de Liverpool, especialmente por su poder para evocar el pasado y hacer de la nostalgia un regalo.

De acuerdo a Lennon, el origen de la canción está en un largo poema que escribió con reminiscencias de su niñez a lo largo de los años. Basó la versión original de la letra en una ruta de bus que solía tomar en Liverpool, nombrando diversos sitios que se veían en el trayecto, incluyendo Penny Lane y el orfanato Strawberry Field. Luego reformuló las palabras con Paul McCartney, reemplazando los recuerdos específicos con una reflexión generalizada acerca de su pasado y, de acuerdo a Peter Shotton, amigo del difunto músico, los versos “Algunos [amigos] están muertos y algunos están vivos / En mi vida los he querido a todos” se referían a Stuart Sutcliffe, el bajista original de los Beatles, quien muriera en Hamburgo en 1962.

El intermedio delicioso que aparece al minuto 1:28 no hace más que agregarle un sabor de añoranza. Y si bien parece el sonido de un clavicordio, es realmente un piano. Lennon le pidió a George Martin que tocara un solo con ese instumento, sugiriendo “algo que sonara a barroco”. Martin escribió una pieza influida por el trabajo de Bach, pero no podía tocarla al tempo de la canción. Grabó el solo a la mitad de la velocidad y una octava más baja, duplicando la velocidad de la cinta en la grabación final, con lo cual resolvió el problema de la interpretación y le dio al piano ese timbre único, parecido a la impronta de un clavecín.

Y si esta canción, la mejor ubicada del cuarteto fabuloso que sentó las bases de lo que es el rock hoy en día, está en este lugar es gracias justamente a su poder nostálgico y al mensaje de sabiduría que encierra. Pero no sólo por eso, sino además por el grado de madurez que representa en el catálogo de éste, el que es quizás el grupo más grande de la historia, y por cómo su final se suspende en el aire, como recordándonos siempre que incluso después de acordarnos de nuestros compañeros de viaje, la vida sigue.

Siempre la vida está en suspenso.

2

“Love Will Tear Us Apart” – Joy Division

Single, 1980

Melodía: 10; Instrumentalización: 9; Letra: 8; Estructura: 1; Significado histórico: 9; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 53,64.

Éste, una descorazonadora historia del fin del amor en un matrimonio aterido por el aislamiento, fue el último single que grabó Joy Division antes de la muerte de su vocalista. El protagonista, atormentado por la incapacidad de recuperar la felicidad que una vez fue compartida se hunde en cavilaciones incontestables que, en última instancia, tendrán un desenlace predeciblemente desgarrador.

Durante todo el trayecto de este viaje doloroso, la quintaesencia del sonido post-punk resuena construyendo un puente por el cual el camino tortuoso se vuelve hermoso e irrepetible. El fondo, a media marcha, propulsado por el compás espléndidamente mecanizado de Morris que hace que parezca un tren haciendo su último viaje por la campiña, las líneas de bajo de Hook con ese estilo tan suyo y el teclado mortuorio y desencajado que reaparece luego en el coro con fuerza, con pujanza, con autenticidad, logrando uno de los riffs de teclado más emocionantes que he escuchado, la convierten en la canción triste más enérgica que existe. No es de extrañarse que haya sido elegida como el mejor single de la historia por la revista NME. Pero su impacto no es sólo musical. El escritor serbio Dejan Cukić la incluyó en su libro de las 45 canciones que cambiaron la historia de la música popular.

La pregunta es por qué es tan impactante e importante. Y es porque definió más de una década, definió lo que ocurriría en el pop durante los próximos 20 años, porque es el dolor transformado en música. Es un atisbo de que existe el placer del pesar.

1

“Bohemian Rhapsody” – Queen

Del álbum “A Night at the Opera”, 1975

Melodía: 9; Instrumentalización: 10; Letra: 8; Estructura: 3; Significado histórico: 10; Cover: No; Riff: Sí. Puntaje: 56,19.

Sencillamente, la mejor canción de la historia del rock: una composición operática y grandiosa que combina sin falsa humildad las figuras más complejas del género y de la música en general. Esta canción lo tiene todo: una melodía que cautiva instantáneamente; un riff genial; una ejecución impecable; una magnífica producción llena de efectos de sonido empleados con juicio y elegancia; y una letra soberbia. Todos estos elementos se hallan repartidos en tres partes claramente distinguibles: primero una dramática balada en donde el piano brilla con el desolado esplendor que sólo puede otorgarle el llevar a la partitura el lamento y el remordimiento de un hombre condenado a la pena capital; luego, a contar del tercer minuto, tras la elegía de un delicado solo de guitarra de Brian May, sobreviene el segundo acto: una grandilocuente sucesión de juegos de coro en donde queda plasmado el ánimo ominoso de enfrentarse con la muerte para una persona a quien el infortunio ha perseguido toda su existencia; y finalmente, preparada por la batería acumulada de Roger Taylor, poco después del cuarto minuto, la explosión pura del rock furibundo que Queen siempre dominó con maestría. Un riff sublime con una dinámica de parada y arranque convoca a un headbanger destinado a romper todos los cuellos.

A fin de cuentas, esta canción se halla cargada de megalomanía y es un deleite no sólo escucharla, sino además cantarla a todo pulmón liberando y destruyendo los fantasmas que a uno puedan perseguirlo en ese momento. Hacerlo garantiza una epifanía. De hecho

“¿Así que crees que puedes amarme y dejarme para morir?
No. ¡No puedes hacerme esto, nena!
«¡Sólo tengo que salir, sencillamente tengo que salir de aquí!”

es, quizás, una de las estrofas más impresionantes del rock.

Y, finalmente, Freddie Mercury, siempre un maestro en el uso de la voz, cierra con un epílogo triste y hermoso en donde se aprecia el valor incalculable de esta canción, que se ha transformado en una pieza inmediatamente identificable en los cinco continentes y en los siete mares. Quizás sea por su forma de integrar lo aparentemente incombinable, por su appeal inmediato para las audiencias de todo el mundo o por su capacidad de resumir las emociones más primigenias del ser humano. Como quiera que sea, esta canción de Queen es, al menos para mí, inapelablemente, la mejor canción de la historia del rock. Y ello lo atestiguan sus dos puntajes perfectos.

Si hubiera que escoger una única canción para ser enviada en una cápsula espacial a otras civilizaciones, yo no lo dudaría ni un segundo: enviaría “Bohemian Rhapsody” para ser preservada en el tiempo y en lo profundo del universo.

Como una canción extremadamente orgullosa, versátil y emotiva, y dada la historia que porta en su letra, además del hecho de que es la que corona este ranking, quería compartirla con ustedes, porque sé que aprecian el arte y porque sé, que en el fondo de sus almas, brilla el espíritu libre y rabioso que esta rapsodia bohemia irradia cuando suena en cualquier rincón del mundo.